miércoles, 30 de noviembre de 2016

Vuelve Tadeo Jones

¡Vuelve Tadeo Jones… y lo hace más preparado que nunca! Nuestro querido héroe y albañil, con su innato ojo para el detalle, mente analítica y curiosidad por el pasado, estudia ahora además primero de arqueología. No le va a venir mal, ya que pronto podrá poner en práctica todo lo aprendido.
En su esperada segunda entrega, dirigida por Enrique Gato y David Alonso, Tadeo Jones se verá nuevamente embarcado en una emocionante aventura en la que volverá a formar equipo con Sarah, Jeff y Belzoni para enfrentarse a nuevas leyendas, nuevos peligros, exóticos escenarios y… alguna que otra sorpresa más.
Tadeo Jones 2: El secreto del Rey Midas’, una producción de Telecinco Cinema, Movistar+, 4 Cats Pictures, Ikiru Films y Tadeo Jones y el secreto de Midas AIE, con la participación de Mediaset España y la animación del estudio Lightbox Animation Studios, llegará a los cines españoles, de la mano de Paramount Pictures, el próximo 25 de Agosto de 2017.

Que Tadeo es un fenómeno ya quedó perfectamente claro en su primera película. Por su ternura, por su valentía, por su gran corazón... pero también por el impacto que tuvo su llegada a los cines de todo el mundo. Algunas evidencias científicas que demuestran tal fenómeno:
  • 'Las aventuras de Tadeo Jones' es la película de animación nacional más taquillera en España, situándose en el Top 10 del ranking histórico de recaudación de nuestro país.
  • 5 semanas consecutivas número uno de taquilla en España, un récord histórico que comparte con ‘Avatar’.
  • Más de 10 millones de espectadores y más de 50 millones de recaudación en todo el mundo.
  • Estrenada en más de 40 países, se convirtió en un éxito desde China a Latinoamérica, pasando por Reino Unido, Francia, Alemania, Italia, Países Bajos, Turquía, Corea del Sur o Rusia.
Esta es la sinopsis:
Tadeo Jones viaja hasta Las Vegas para asistir a la presentación del último descubrimiento de la arqueóloga Sara Lavroff: el papiro que demuestra la existencia del Collar de Midas, el mítico Rey que convertía en oro todo aquello que tocaba. Pero el feliz reencuentro se verá enturbiado cuando un malvado ricachón secuestra a Sara para poder encontrar el talismán y conseguir riquezas infinitas. Junto a sus amigos el loro Belzoni y su perro Jeff, Tadeo tendrá que hacer uso de su ingenio para rescatar a Sara, en un viaje por medio mundo, donde encontrará nuevos amigos… ¡y nuevos villanos!

¡Y las primeras pistas para seguirle el rastro ya están aquí!







La animación a través de los ojos del productor: una tarde con Manuel Cristóbal

Manuel Cristóbal es una de las personalidades imprescindibles en la producción de animación española. Aunque se formó como director, ha sido precisamente en el campo de la producción en el que ha encontrado una clara vocación y el reconocimiento a nivel internacional, sumando ya cuatro Premios Goya a la Mejor Película de Animación a lo largo de su carrera. Convencido de la necesidad de comprometerse con el sector, Manuel Cristóbal es miembro de las juntas directivas de CARTOON, de la Academia Española de Cine y de DIBOOS, además de profesor de producción digital en la U-tad.

Se nos ocurren pocas personas mejores que él para conocer cómo se vive la profesión de productor desde dentro, algo que tuvimos la oportunidad de hacer en el taller “Dimensionando un largometraje de animación para el mercado internacional” que nos ofreció en Madrid con motivo de la última edición del Día Mundial de la Animación.

Sin reto no hay diversión
Cuando explica en qué consiste su trabajo, a Manuel Cristóbal le gusta recordar una cita de Walt Disney: “It’s kind of fun to do the impossible” (es divertido hacer lo imposible). Y es que, escuchándole, entendemos que una de las cosas bonitas de ser productor es el poder elegir proyectos en los que uno cree, que tienen algo especial, y hacerlos viables. Ello no siempre es fácil, sobre todo si se apuesta por historias poco convencionales y lenguajes originales. Pero cuando uno tiene ese pálpito merece la pena intentarlo. Qué mejor ejemplo que “Arrugas”, el largometraje de animación 2D dirigido al público adulto, proyecto insignia de Manuel Cristóbal, aplaudido internacionalmente.


La idea de hacer la película “Arrugas” nació cuando llegó a los oídos de Manuel Cristóbal el éxito que había tenido la novela gráfica homónima de Paco Roca. La lectura del libro y la reunión con su autor le sirvió para corroborar que detrás de aquella obra, que abordaba un tema inusual para el formato cómic como es la vejez y el Alzheimer, pero que había tenido tan buena acogida, había una gran historia. Una historia idónea para ser convertida en película de la mano de Ignacio Ferreras, “un director extraordinario y un gran narrador”, en palabras de Cristóbal, y para quien decidió comprar los derechos de la obra. Todo un acierto, ya que la cinta logró ganar los Premios a la Mejor Película de Animación y al Mejor Guión Adaptado en la edición de los Goya de 2011, además de obtener una distinción especial en el Festival de Annecy y ser nominada a la Mejor Película de Animación en los Premios del Cine Europeo en 2012, entre otras distinciones. No en vano, Manuel Cristóbal afirma que “Arrugas” es la película de la que más orgulloso se siente, no sólo por el reconocimiento que el proyecto ha recibido por parte de la crítica, sino por la clase de historia que hay detrás y por lo que ha significado para mucha gente que exista una película como ésta.

Pero, ¿cómo se saca adelante un largometraje de animación independiente como “Arrugas” en el mercado Internacional? Como el productor reconoce, “es una película difícil de vender, con una historia de drama muy dura”. Nada que ver con el cine de animación para público infantil que suele distribuirse y que, de partida, tiene más garantías de obtener resultados aceptables en taquilla. Y lo dice alguien con una sólida trayectoria como es Cristóbal, que antes de embarcase en este proyecto había sido Productor Ejecutivo de “El Bosque Animado” (2001, Dygra Films), primera película de animación por ordenador en Europa; había ocupado el cargo de Head of Development and Distribution de Zinkia, compañía responsable del desarrollo de la arrolladora serie ideada por Guillermo García Carsí “Pocoyó” (2005, Zinkia); y había sido Productor de la también ganadora de un Goya a la Mejor Película de Animación “El lince perdido” (2008, Kandor Graphics y Perro Verde Films).

Saber dimensionar
Y es que, como Manuel Cristóbal ejemplifica, “Si Tadeo Jones es fútbol, Arrugas es patinaje artístico”. Lo cierto es que todo tipo de cine tiene su lugar y su público, y es muy positivo que en el panorama de la animación podamos encontrar tanto una película como la otra. Lo que Cristóbal subraya es que lo importante, desde el punto de vista del productor, es saber dimensionar el proyecto. Una película como “Arrugas” se pudo hacer porque se le dotó del presupuesto adecuado teniendo en cuenta el recorrido que podría tener en festivales y salas y el público al que iba dirigida: su mercado, a fin de cuentas. Si desde el principio se hubiese condicionado su desarrollo a contar con un alto presupuesto, nunca habría visto la luz. Al fin y al cabo, buena parte del trabajo de un productor consiste en saber encontrar ese equilibrio entre lo artístico y la industria porque, en palabras de Cristóbal, “una película que sólo atiende a la industria no tiene alma, pero una que sólo se preocupa de lo artístico no sale adelante”.

La clave está en el contenido
“Another day of life” es otro ejemplo de cómo la animación puede ser vehículo para contar historias contundentes. Este proyecto parte de la iniciativa de una pequeña productora navarra, Kanaki Films, apoyada sobre los hombros de Raúl de la Fuente y Amaia Remírez, quienes han conseguido movilizar a un equipo de 250 personas para la producción de su primer largometraje de animación. Todo un desafío, si bien su experiencia en el mundo del documental y los reconocimientos que han logrado en este campo les avalaban a la hora de enfrentar una historia dramática como la que plantean aquí. Manuel Cristóbal se involucró en el que califica como “un gran proyecto” trabajando para ellos como Productor Ejecutivo durante sus dos primeros años de andadura.


Fascinados por el libro en el que el reportero Ryszard Kapuscinski recoge su experiencia en Angola al comienzo de la guerra civil que golpeó el país durante más de dos décadas, los jóvenes productores decidieron hacerse con los derechos de la obra. Gracias a su tenacidad, pero sobre todo a su visión para ver el potencial de este relato, lograron que los estudios polacos Platige Image se involucrasen en este proyecto, haciendo posible una película que podremos ver en 2017. A ellos se han sumado en calidad de coproductores Walking the Dog, Wüste Films, Animations Fabrik y Puppetworks Animation Studios. “¿Por qué unos estudios de esta envergadura, líderes en su país, se interesaron por esta propuesta?”, nos plantea Manuel Cristóbal, “Porque es el tipo de contenido que ellos quieren”. El productor afirma rotundamente que un contenido valioso es la clave de una gran película, además de un imán para el talento porque “los proyectos interesantes atraen a gente interesante”.

Reconocer un proyecto único
Especialmente trabajando en animación, Cristóbal incide en la importancia de elegir bien los proyectos en los que uno se embarca ya que “se trata de producciones muy largas, que pueden durar varios años”. Pero además, desde el punto de vista de un productor, es vital seleccionar un proyecto que sea único. Cuando le han preguntado por qué quería que “Arrugas” fuese una película de animación en lugar de rodarla con actores, él tenía clara su respuesta: “En imagen real es una película más; en animación es una película única”.

También hablando de originalidad, Manuel Cristóbal nos remite a uno de los proyectos con los que más se ha divertido: “Gritos en el pasillo” (2007, Producciones Bajo La Lluvia y Perro Verde Films). Los inusuales protagonistas de esta película de puppet animation, una historia de terror con tintes de comedia, son cacahuetes pintados. Desde luego, un recurso que hace del largometraje algo único y memorable y que dio mucho juego a la hora de promocionarlo. De hecho, “Gritos en el pasillo” fue innovadora también en su estrategia de lanzamiento, siendo la primera película española que se estrenó simultáneamente en todas las ventanas de distribución (cine, televisión, DVD y Video On Demand), lo que se conoce como “Day-and-Date Release”, además de hacerlo en varios países alrededor del mundo y en ocho idiomas.


Ese carácter de proyecto único, con identidad, es también un rasgo de “Buñuel en el laberinto de las tortugas”, que cuenta con Manuel Cristóbal como productor. De nuevo una apuesta por la animación para adultos con un argumento sólido y atractivo, lleno de matices. Cuando le llegó la propuesta de Glow de llevar a la pantalla la novela gráfica de Fermín Solís sobre el viaje de Buñuel a las Hurdes para rodar el documental “Tierra sin pan”, Manuel Cristóbal vio un gran potencial en la historia. Aunque inicialmente el responsable de la productora extremeña, José María Fernández de Vega, planteaba el proyecto como un corto, ambos concluyeron que allí había un largo. Salvador Simó fue el director elegido para esta película y, a raíz de este proyecto, los tres están constituyendo un nuevo estudio de animación: The Glow Animation Studios.


Del guión de esta película actualmente en pleno desarrollo y preproducción se hacen cargo Eligio Montero y Salvador Simó. Y es que el equipo nuclear de un proyecto de animación es fundamental. Como el propio Cristóbal señala: “Producir es en realidad un triunvirato en el que el productor, el director y el guionista dialogan sobre el proyecto. Es importante que un productor sepa elegir al director y al guionista adecuados, que no tienen por qué ser sus mejores amigos”. Cuando el engranaje funciona bien y el productor es capaz de definir responsabilidad y plazos, el proyecto lo nota. Al fin y al cabo, en la figura del productor recae la tarea de velar porque todo marche correctamente, desde el origen del proyecto hasta que éste llega a las pantallas. “Muchas veces tu trabajo como productor es ponerte en la puerta de la cocina y no dejar que nadie entre a molestar al cocinero”, apunta Cristóbal.

Habiendo visto lo que hasta ahora ha salido de esas cocinas y tras conocer algunos de los detalles de los proyectos que están por venir, podemos adivinar que lo próximo que nos proponga el productor nos va a seguir dejando muy buen sabor de boca.

martes, 29 de noviembre de 2016

Vaiana

La nueva película de Disney, dirigida por los veteranos del estudio Ron Clements y John Musker (directores de maravillas en animación tradicional como "La Sirenita" o "Aladino") a partir de un guión de Jared Bush, Pamela Ribon, Taika Waititi y los propios directores, constituye un nuevo logro de Disney a nivel visual y de animación, donde alcanza indiscutiblemente la perfección, aunque en el terreno argumental se queda por detrás de lo conseguido con "Zootrópolis" e incluso con "Frozen", el hit al que pretendía emular como película musical protagonizada por una heroína.


La historia de "Vaiana" (originalmente "Moana" y rebautizada aquí por un conflicto de derechos de marca) sigue a una joven aventurera, llamada a suceder al jefe de un poblado de las islas de Oceanía, que sale a navegar en una arriesgada misión para salvar a su pueblo y restituir el equilibrio roto mil años atrás, cuando los viajes de sus antepasados a través del gran Pacífico se detuvieron y los recursos de las islas empezaron a escasear; para ello deberá salir en busca del poderoso semi-dios Maui y llevarle con ella en el mar abierto en un viaje lleno de acción, que les enfrentará a monstruos enormes y desafíos imposibles, y a descubrir la única cosa que Vaiana ha estado buscando siempre: su propia identidad.
Es justo referirse en primer lugar a aquello en lo que la película de estas Navidades ofrecida por Disney es insuperable, y en este sentido el nivel de lo conseguido a nivel visual y de animación es encomiable. No tan solo se ha logrado reproducir con profundo respeto y extremo buen gusto la cultura y el entorno de los pobladores de Oceanía, a los que el espectador se sentirá transportado sobre todo en una primera parte en que se nos permite conocer a Vaiana y las costumbres antiguas y del día a día de su pueblo, al tiempo que se ha realizado un acertado diseño de personajes que refleja con fidelidad la fisonomía y detalles característicos de los polinesios, sino que en la recreación del medio que siempre ha determinado las vidas de estos pueblos, el mar, se han empleado a fondo todos los recursos que el estudio ha sido capaz de desarrollar para animar el océano de forma extremadamente realista, poniendo atención en reconstruir digitalmente todas las dinámicas que caracterizan ese medio y en hacer que funcionen como un guante en combinación con los personajes y las embarcaciones. Ese mismo mar es animado de forma magistral para definir la especial relación que tiene con Vaiana, convirtiéndose en un personaje más que con una simplicidad tan solo aparente es capaz incluso de transmitir emociones y estados de ánimo a través de sus poses y movimientos.
Y es que el nivelazo de la animación mostrado en "Vaiana" es apabullante y así se aprecia en otros múltiples aspectos: los personajes en 3D están dotados de un rigging ya tan desarrollado que les permite alcanzar posibilidades de expresividad enormes puestos en manos de excelentes animadores que llegan a mover a sus personajes como si les estuvieran aplicando captura de movimiento, incluso el rechoncho Maui consigue hacer con su cuerpo movimientos que parecerían inverosímiles dado su tamaño, y que sin duda otros estudios no habrían sabido llevar a buen puerto; las largas melenas de los protagonistas se mueven como si se tratara de cabello real, respondiendo convenientemente a si están secas o mojadas; e incluso los realizadores se han permitido revisitar la animación 2D tradicional que tan buenos trabajos hizo posibles en el glorioso pasado de Disney, aplicándola bajo la supervisión del legendario Eric Goldberg a un simpático y elocuente mini-yo del semi-dios Maui que se desplaza con una plasticidad pasmosa por toda su piel, homenaje por otra parte que también se hace extensivo a la psicodélica secuencia musical que acompaña a la canción "You're Welcome" interpretada por Maui, donde los personajes en 3D quedan integrados en patrones polinesios y dibujos realizados y animados en 2D.
La música, escrita por Opetaia Foa’i, Mark Mancina y Lin-Manuel Miranda, es de hecho otro de los aspectos positivos de la nueva película de Disney en la medida en que consigue acompañar con fuerza las emociones y mensaje de la mayor parte de las escenas y contagiar la alegría de los ritmos de Oceanía.
En el apartado argumental, la película ofrece una historia con muchas aventuras y humor (y evocaciones fílmicas como unos Kakamora que recuerdan a los guerreros de Mad Max, o las frases que Vaiana repite como un mantra recordando al Íñigo Montoya de "La Princesa Prometida") capaz de hacer pasar un buen rato al espectador más joven y también al adulto, con personajes bien construidos y con un perfil bien definido, entre los que la pareja protagonista formada por Vaiana y Maui funciona a la perfección para contraponer los caracteres de ambos: Vaiana es una chica decidida, valiente, independiente y capaz de sacrificarse por su pueblo, mientras que el cambia-formas Maui es un semi-dios vanidoso, egoísta y fanfarrón que recuerda a fórmulas como las del gruñón Shrek o el alocado genio de Aladino, y aporta buena parte de los momentos distendidos de la película aparte de ser el espejo de lo que Vaiana no representa.


Lo que impide que la película termine siendo perfecta deriva de que en un evidente y encomiable esfuerzo de encajar su narrativa clásica en los nuevos tiempos, que demandan personajes femeninos tratados en pie de igualdad respecto de los masculinos, Disney no ha encontrado en esta ocasión la mejor fórmula, y al querer despojar a la historia y a su heroína de tantos aspectos que históricamente han podido suponer un lastre para el reconocimiento de la mujer como persona independiente con sus propios valores y deseos, ha acabado forjando una aventura correcta, pero aséptica y desprovista de conflicto real. En efecto, bajo el empeño de dejar atrás los roles tradicionales, Vaiana ya no se quiere denominar princesa sino la hija del jefe, no tiene el corazón pendiente de ningún hombre o mujer y hasta desaparece la figura del villano como verdadero némesis del protagonista, capaz de cuestionarle y de poner en duda la persecución de sus objetivos (teniendo en cuenta que no cabe encuadrar en este concepto a los Kakamora, el cangrejo Tamatoa o al volcán Te Ká, que al fin y al cabo no constituyen mucho más que anécdotas en el viaje de los protagonistas). No hay un verdadero conflicto capaz de aportar la épica necesaria al progreso personal de Vaiana, que por otra parte encuentra en el especial vínculo mágico que le une al mar y en las místicas visiones de sus antepasados una extraordinaria ayuda para vencer muchos de los obstáculos que se encuentra; de hecho, el mismo mar hubiera podido resolver el problema de la película si no se tratara en fin de reconciliar a los humanos con la naturaleza. En este sentido, hubiera sido más creíble y agradecida una heroína que pudiera fallar y equivocarse para demostrar que puede sobreponerse, como ya se logró de forma más convincente - reafirmando igualmente el papel de la mujer - en "Zootrópolis" o en "Frozen", por parte de Disney, o en "Brave" por parte de Pixar. Por cierto, resulta curioso que mientras en la última citada haya un mensaje de reconciliación entre la figura materna y la filial, en "Vaiana" sean precisamente los padres, a falta de verdaderos villanos, una de las principales figuras que se interpone frente a los deseos de libertad de la protagonista, mientras que ésta halla total apoyo en la "loca" de su abuela (figura, por lo general, presta sociológicamente a ceder ante todos los caprichos de los nietos); y es que para una compañía como Disney que más allá de un estudio que hace películas es sobre todo una empresa que vende productos, puede tener sentido afirmar hasta tal extremo la individualidad de todos sus consumidores y consumidoras.
Finalmente, en este aparente proceso de desvestir a un santo para no vestir a otro, Clements y Musker acaban también con la clásica mascota como figura que suele aportar consuelo, ayuda o consejo al personaje protagonista. Cuando finalmente parece que la película acaba decidiéndose por una de las mascotas, entre el cerdito Pua y el gallo Hei Hei, el protagonismo lo asume un gallo desprovisto de toda inteligencia (no vaya a ser que un macho ensombrezca con algún sabio consejo la indiscutida independencia de Vaiana) que, si bien es cierto que da lugar a un buen número de situaciones cómicas a lo largo del metraje, no aporta ningún otro valor como comparsa de la protagonista.


Lo mejor: "Vaiana" es una película espectacular a nivel visual y de animación, capaz de llevar a su máxima expresión lo mejor de las posibilidades del 3D para realizar dibujos animados.
En contra: Disney recicla su narrativa clásica en una aséptica historia en un intento algo fallido de adecuarla a los nuevos tiempos.

Por otra parte, hay que felicitar al realizador del corto que precede al largometraje, Leo Matsuda (story artist en “Big Hero 6” y “¡Rompe Ralph!”), que con su trabajo en "Inner Workings" presenta una comedia fresca y original con un estilo gráfico único y atractivo que mezcla de forma perfectamente integrada imágenes generadas por ordenador y animación dibujada a mano. Inspirado en las láminas transparentes de anatomía humana que había en su enciclopedia, el director adaptó esa idea al nuevo cortometraje para transportar a los espectadores al interior del cuerpo de un hombre llamado Paul - de una forma que recuerda a la genial "Del Revés" de Pixar, pero que tiene un estilo bien propio y diferenciado - que lucha por encontrar un equilibrio en su vida diaria, entre los extremos que representan su racional, cauto y recto Cerebro y sus órganos más primarios, como su Estómago, sus Pulmones, su Vejiga y al frente de todos ellos un animoso Corazón con ganas de aventura y diversión que tienen opiniones diferentes. Con un sentido del humor muy ácido y un ritmo frenético que conducen una historia sin palabras acompañaremos al protagonista a lo largo de sus dilemas vitales hasta alcanzar una conclusión inteligente y nada artificiosa: que al final, todo reside en encontrar un equilibrio.



lunes, 28 de noviembre de 2016

Zootrópolis y Kubo encabezan las nominaciones a los Annie

Esta tarde se han dado a conocer las nominaciones a los premios Annie de la International Animated Film Society (ASIFA-Hollywood), que sitúan a "Zootrópolis" (Zootopia) de Disney y a "Kubo y las Dos Cuerdas Mágicas" (Kubo and the Two Strings) de Laika como las principales producciones a batirse en duelo. En efecto, "Zootrópolis" alcanza 11 nominaciones, y "Kubo y las Dos Cuerdas Mágicas" le sigue de cerca con 10, mientras las siguientes nominadas no sobrepasan las 6 nominaciones.


En materia de largometrajes, incluyendo la categoría de películas independientes(*), la clasificación en cuanto a número de nominaciones obtenidas queda configurada del siguiente modo:
  • Zootrópolis, de Walt Disney Animation - 11 nominaciones, entre las cuales Mejor Largometraje de Animación, Mejor Dirección, Mejor Guión, 2 a Mejor Animación de Personajes y Mejor Diseño de Personajes.
  • Kubo y las Dos Cuerdas Mágicas, de LAIKA - 10 nominaciones, contando las de Mejor Largometraje de Animación, Mejor Dirección, Mejor Guión, Mejor Animación de Personajes y Mejor Diseño de Personajes, entre otras.
  • Vaiana, de Walt Disney Animation - 6 nominaciones, que comprenden Mejor Largometraje de Animación y Mejor Diseño de Personajes.
  • *The Red Turtle, de Studio Ghibli, Wild Bunch y Why Not Productions - 5 nominaciones, entre las cuales Mejor Película de Animación Independiente, Mejor Dirección y Mejor Guión.
  • Kung Fu Panda 3, de Dreamworks Animation - 4 nominaciones, entre las cuales Mejor Película de Animación y Mejor Animación de Personajes.
  • Trolls, de Dreamworks Animation - 4 nominaciones, incluyendo Mejor Diseño de Personajes entre otras categorías individuales.
  • Buscando a Dory, de Pixar Animation Studios - 3 nominaciones, entre las cuales Mejor Largometraje de Animación y Mejor Animación de Personajes.
  • *La Vida de Calabacín, de Rita Productions, Blue Spirit Productions, Gebeka Films y KNM- 3 nominaciones, contando las de Mejor Película de Animación Independiente, Mejor Dirección y Mejor Guión.
  • *Your Name, de CoMix Wave Films - 2 nominaciones, a Mejor Película de Animación Independiente y Mejor Dirección.
  • Mascotas, de Illumination Entertainment - 2 nominaciones, a Mejor Diseño de Personajes y Música.
  • *El Principito, de Netflix y On Animation Studios - 2 nominaciones, a Música y Diseño de Producción.
  • *Miss Hokusai, de Production I.G. - 1 nominación a Mejor Película de Animación Independiente.
  • *El Techo del Mundo, de Sacrebleu Productions, Maybe Movies, Norlum Studios, France 3 Cinéma y 2 Minute - 1 nominación a Mejor Película de Animación Independiente.
  • Batman: Return of the Caped Crusaders, de Warner Bros. Animation - 1 nominación por Música.
  • Canta, de Illumination Entertainment - 1 nominación por Música.
  • Cigüeñas, de Warner Animation Group - 1 nominación a Mejor Interpretación de Voz.
  • *April and the Extraordinary World, de Je Suis Bien Content y Studiocanal - 1 nominación por Mejor Editorial.
  • La Fiesta de las Salchichas, de Columbia Pictures y Annapurna Pictures - 1 nominación por Mejor Editorial.
Por lo que respecta a los cortometrajes, están nominados los siguientes:
  • Blind Vaysha (Theodore Ushev), del National Film Board of Canada
  • Deer Flower (Kangmin Kim), de Studio ZAZAC
  • Path Title Sequence (Michal Socha), de Acme Filmworks
  • Pearl (Patrick Osborne) Google Spotlight Stories/Evil Eye Pictures
  • Piper (Alan Barillaro), de Pixar Animation Studios
Y los cortos de graduación nominados son:
  • Citipati de Filmakademie Baden-Wuerttemberg
  • FISHWITCH de Adrienne Dowling
  • The Abyss de Liying Huang
  • The Wrong End of the Stick de Terri Matthews
  • Twiddly Things de Adara Todd
En la categoría de Mejor Especial Animado figuran:
  • Audrie & Daisy, de AfterImage Public Media y Actual Films para Netflix
  • Kung Fu Panda: Secrets of the Scroll, de DreamWorks Animation
  • Little Big Awesome, de Titmouse, Inc. y Amazon Studios
  • Middle School: The Worst Years of My Life, de CBS Films, J.P. Entertainment y Participant Media
  • Pear Cider and Cigarettes, de Massive Swerve Studios and Passion Pictures Animation
Como mejores series preescolares de TV se encuentran:
  • Ask the StoryBots de JibJab Bros. Studios for Netflix
  • Peg + Cat de The Fred Rogers Company y 9ate7 Productions
  • Puffin Rock de Cartoon Saloon, Dog Ears y Penguin Random House
  • The Stinky & Dirty Show de Amazon Studios y Brown Bag Films
  • Tumble Leaf de Amazon Studios y Bix Pix Entertainment
Las series infantiles de TV nominadas son:
  • Adventure Time de Bix Pix Entertainment Cartoon Network Frederator Studios
  • DreamWorks Voltron Legendary Defender de DreamWorks Animation Television
  • Elena de Avalor de Disney Television Animation
  • Teenage Mutant Ninja Turtles de Nickelodeon
  • Wander Over Yonder de Disney Television Animation
Y finalmente, como mejores series animadas de TV generalistas están nominadas:
  • Bob's Burgers de Bento Box Entertainment
  • BoJack Horseman de Tornante Productions, LLC para Netflix
  • Long Live the Royals de Cartoon Network Studios
  • The Simpsons de Gracie Films in Association with 20th Century Fox Television
  • The Venture Bros de Titmouse, Inc.
Por otra parte, se va a entregar el Premio Winsor McCay por su contribución al arte de la animación a Dale Baer, animador con más de 40 años de experiencia que ha trabajado en películas como "The Emperor's New Groove", "The Lion King", "The Princess and the Frog", "Tarzan"...; a Caroline Leaf, conocida por sus emotivos trabajos y su artesanal estilo gráfico; y al realizador japonés Mamoru Oshii (Urusei Yatsura, Ghost in the Shell, Patlabor...). Asimismo se entregará el premio June Foray, por su significativo o caritativo impacto en el arte y la industria de la animación, a Bill y Sue Kroyer, que formaron uno de los primeros estudios que combinó animación tradicional y animación por ordenador. Por otra parte, se otorgará el Special Achievement Award al documental "Life, Animated" sobre el efecto de la animación en un joven autista, y el Premio Ub Iwerks reconocerá el avance técnico que representa la plataforma de realidad virtual de Google Spotlight.

La ceremonia de los premios tendrá lugar el 4 de febrero de 2016 en el Royce Hall de la UCLA. Podéis ver el listado completo de nominaciones en este enlace.

Nuestras sugerencias de regalos animados

Se acercan las fiestas navideñas y más de una o de uno estará buscando un buen regalo para aquel familiar o amigo/a que está colado por los dibujos animados o redactando una lista de deseos en la que no debería faltar alguna cosilla relacionada con este lenguaje cinematográfico al que periódicamente rendimos homenaje desde este blog. Propuestas, afortunadamente, no faltan, y a continuación podréis ver una lista (de ningún modo exhaustiva) de novedades aparecidas a lo largo de este año que, en nuestra opinión, merecerían estar bajo el árbol navideño de cualquiera que disfrute con la animación.

100 Años de Animación Española, Arte y Tecnología


Esta publicación, escrita por Pilar Yébenes, José Antonio Rodríguez, Rodrigo Mesonero y Samuel Viñolo bajo la coordinación de Canva Ma, pretende dar a conocer y poner en valor varias de las obras animadas que han marcado un antes y un después en la animación española a lo largo de un recorrido que ha alcanzado ya los 100 años, a través de una selección de 180 obras (películas, cortos, series..) representativas de su evolución y de una relación de estudios y empresas importantes dentro del sector. Para implementar el libro se ha utilizado realidad aumentada y códigos QR con contenidos exclusivos realizados para tal efecto, que integran más de 90 vídeos ilustrativos del gran peso que la animación española ha ido adquiriendo a lo largo de los años.
Publicado por Sygnatia y a la venta a finales del mes de noviembre, el libro se ha realizado gracias a la colaboración y financiación de Diboos, El Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, Egeda, Crea SGR, Safe creative y 3D Wire.


Psiconautas - Los Niños Olvidados. Artbook


La película "Psiconautas", dirigida por Alberto Vázquez y Pedro Rivero, se ha exhibido internacionalmente con gran acogida en festivales tan prestigiosos como el de Annecy, Stuttgart, San Sebastián o Montreal, entre otros, y ha ganado ya una buena cantidad de galardones y reconocimientos, entre los cuales haber sido nominada a la mejor película europea de animación de la Academia Europea de Cine.
A partir del 2 de diciembre estará disponible este artbook publicado por Astiberri que hace un recorrido por el desarrollo gráfico de la película, desde el cómic homónimo en que se basa, creado por el propio Alberto Vázquez, pasando por el corto previo "Birdboy", que obtuvo el premio Goya al mejor cortometraje de animación en 2012, hasta muestras del storyboard, concept art, layout, diseño de personajes y decorados, así como imágenes finales del largometraje.


Antes De Mi Vecino Miyazaki. El Origen De Studio Ghibli


Diábolo Ediciones es la editora también de este libro, escrito por Álvaro López Martín y Marta García Villar (los mismos autores de "Mi vecino Miyazaki. Studio Ghibli, la animación japonesa que lo cambió todo"), que efectúa un recorrido sobre los fascinantes inicios de Hayao Miyazaki e Isao Takahata a través de clásicos atemporales, algunos recordados de forma imprecisa, otros prácticamente desconocidos y otros injustamente olvidados, como Lupin, Heidi, Marco, Conan o Sherlock Holmes.
Y hablando de Sherlock Holmes...


Sherlock Holmes - Serie Completa (DVD)


Mañana se pone a la venta la serie completa y remasterizada de "Sherlock Holmes", una coproducción de la italiana RAI y TMS (Tokyo Movie Shinsha) creada por Hayao Miyazaki y Marco Pagot, basada libremente en los personajes creados por Arthur Conan Doyle, cuyos episodios se emitieron originalmente entre 1984 y 1985 hasta que se canceló su emisión por discusiones sobre derechos con los herederos del novelista.
Ahora 39 Escalones Films trae de vuelta esta fantástica serie en una edición con un total de 624 minutos que se compone de 4 discos Dvd con los 26 episodios de la serie, con audio únicamente en español y en italiano.


¡Bien Hecho, Gromit! Cuarenta Años de Aardman Animations


A lo largo de 280 páginas Adrián Encinas recorre la historia de uno de los estudios de animación en plastilina más célebres e influyentes del mundo: Aardman Animations. A través de cuatro décadas plagadas de éxitos de taquilla y de Oscars de la Academia de Hollywood, el libro publicado por Diábolo Ediciones se adentra en los inicios amateurs de un grupo de artistas afincados en Brístol; analiza en detalle cada uno de sus trabajos; investiga acerca de su contribución al mundo de la publicidad y, como no podía ser de otra manera, da buena cuenta de sus personajes más conocidos, como Morph, la Oveja Shaun o Wallace & Gromit, convertidos hoy, por derecho propio, en máximos exponentes de la cultura pop.


Anomalisa


Una de las películas de animación más sorprendentes del 2015 fue lanzada en DVD y Blu-Ray en julio de este año. Dirigida por Charlie Kaufman, que utilizaba por primera vez la animación para uno de sus largometrajes, y Duke Johnson, cuenta en admirable stop motion un instante en la vida de Michael Stone, un motivador profesional y gurú de la industria de la atención al cliente que se encuentra en plena crisis existencial, cada vez con mayor incapacidad para conectar con la gente, cuando conoce a Lisa, una chica cuya voz le llama especialmente la atención. Podéis encontrar aquí la crítica que en su día publicamos en torno a esta muy recomendable película.


Kubo y Las Dos Cuerdas Mágicas


El 21 de diciembre se lanza el DVD y el Blu-ray de otra película en stop motion que ha sorprendido también este año gratamente a los aficionados a la animación y debería ponérselo difícil a los de siempre en la carrera hacia los Oscar. La última película de Laika, dirigida por Travis Knight, efectúa una mirada occidental a la cultura japonesa que constituye un homenaje a la tradición de contar historias y una gigantesca obra de artesanía en torno a Kubo, un inteligent y bondadoso niño que se gana la vida contando historias tan maravillosas como fantásticas a los habitantes de un pueblecito costero hasta que su tranquila existencia cambia de golpe cuando, accidentalmente, llama a un espíritu mítico que regresa de los cielos decidido a llevar a cabo una venganza milenaria; Kubo no tiene más remedio que huir, armado únicamente con un instrumento mágico, y unirse a Mona y a Escarabajo para salvar a su familia, enfrentándose a dioses y a monstruos como el vengativo Rey Luna y las malévolas gemelas, y resolver el misterio que rodea a su deshonrado padre, el más grande de todos los samuráis que jamás ha existido, cumpliendo el heroico destino que le está reservado. También podéis leer nuestra recomendación de la película en este enlace.


El Principito


Un poco más allá, el 30 de diciembre, se lanzarán el DVD y Blu-ray de otra genial película, en esta ocasión producida en bellísimo stop motion y animación 3D, que lamentablemente pasó con cierta discreción por las salas de cine. Dirigida por Mark Osborne (Kung Fu Panda), la película efectúa una original lectura del clásico libro de Antoine de Saint-Exupéry que alcanza a sublimar el espíritu de la obra a la vez que lo actualiza para las nuevas generaciones. ¡Imprescindible! Podréis encontrar nuestra recomendación aquí.


Independent Animation: Developing, Producing and Distributing Your Animated Films


Ben Mitchell, productor y director de animación independiente que ha estado al frente de producciones de CBeebies, Channel 4, Plymptoons, Somethin' Else, Wonky Films, A Productions, Slurpy Studios, Channel Flip y Happy Hour, entre otros, explora cómo desarrollar, producir y distribuir películas de animación independiente fijándose en algunos de los actores con mayor experiencia en este campo y guiando al lector a través del proceso artístico y las técnicas de producción. En este sentido, no se soslaya el hecho de que las nuevas tecnologías e internet han hecho que la producción de animación sea más accesible que nunca, pero al mismo tiempo, sea más difícil destacar.


To Pixar and Beyond: My Unlikely Journey with Steve Jobs to Make Entertainment History


Lawrence Levy, que se convirtió en ejecutivo financiero de Pixar en el momento en que se empezaba a gestar el éxito que sería "Toy Story", narra la historia del estudio analizando sus primeros años y en particular el esfuerzo desplegado por Steve Jobs, que fue quien adquirió The Graphics Group cuando éste formaba parte de la Computer Division de Lucasfilm y lo bautizó como Pixar Animation Studios, para llevar adelante el proyecto y lograr su reconocimiento en un contexto que por entonces dominaba Disney, la misma compañía que acabaría adquiriendo el estudio en 2006. Un libro que explica la creación de Pixar desde dentro y echa una mirada cercana, de primera mano, a las primeras dificultades del estudio, la gestión de su espectacular ascenso, y los riesgos que se asumieron, hasta su adquisición a manos de Disney.


The Walt Disney Film Archives: The Animated Movies 1921-1968


Taschen, la editorial conocida por publicar sus ingentes antologías, ofrece un superlibro de 624 páginas conteniendo unas 1500 imágenes y docenas de breves ensayos sobre la obra de Disney entre los años 1921 y 1968, escritos por historiadores como Leonard Maltin, Charles Solomon, Didier Ghez, J.B. Kaufman y Mindy Johnson. No siempre se presenta la ocasión de encontrar tanto material y tan bueno reunido en un solo libro.


...Y pensando en los más jóvenes que se quieren iniciar en este mundo
StikBot Zanimation Studio


Toy Shed comercializa este set para que los más jóvenes (o los mayores también) empiecen a producir sus primeras películas de animación en stop motion. El conjunto incorpora un par de figuras humanoides articuladas con ventosas en las extremidades para poder fijarlas, un fondo croma y un soporte para poder fijar el smartphone (no incluido) con el que grabar las imágenes. Ideal para empezar.

jueves, 24 de noviembre de 2016

Nuevas series de Netflix

Varias series de animación originales o basadas en conceptos ya existentes esperan su estreno en Netflix entre 2017 y 2018.
Así, en enero de 2017 se estrenará la serie "Little Witch Academia" de Studio Trigger. Es una serie de televisión surgida a partir de la franquicia del mismo nombre que se inició en 2013 como un corto de animación - sobre la historia de Akko Kagariis que, inspirada por un show de una bruja famosa, Shiny Chairot, se enrola en la Academia Luna Nova para convertirse en una bruja - y que fue seguido por otro corto, "Little Witch Academia: The Enchanted Parade", que se estrenó en octubre del año pasado. Estará dirigida por Yoh Yoshinari.


También el año que viene se estrenará la serie "Llama, Llama" de Genius Brands, basada en los bestsellers de Anna Dewdney. La serie contará emotivas historias sobre la infancia y aventuras de Llama en su apacible y amigable ciudad, donde vive con sus padres y sus abuelos y sus mejores amigos. Encabezándola están el director ganador de un Oscar Rob Minkoff (El Rey León), el director Saul Blinkoff (Doctora Juguetes), Joe Purdy y el legendario director de arte Ruben Aquino (Frozen, El Rey León, Aladdin, Mulan) así como los productores Jane Startz y Andy Heyward.


Igualmente se espera la serie "Spirit Riding Free" de Dreamworks Animation, basada en la película nominada al Oscar "Spirit: Stallion of the Cimarron", y que en este caso sigue el viaje del joven e indomable mustang llamado Spirit junto a una joven igual de valiente llamada Lucky; juntos irán estrechando su amistad y conocerán lo que es sentirse totalmente libre, explorando junto a sus mejores amigos un mundo lleno de carreras interminables, caballos magníficos y diversión sin fin.


También en 2017 se estrenará la serie original "LEGO Elves" (Elfos LEGO), una producción de The LEGO Group (LEGO Bionicle: The Journey to One y LEGO Friends: The Power of Friendship). Seguirá a la heroína Emily Jones después de que haya atravesado el portal para volver a su querido Elvendale con su hermana Sophie y se encuentre con que ésta ha sido raptada por el malvado Rey Goblin y sus secuaces, tras lo cual Emily y sus compañeros elfos deberán adentrarse en el bosque mágico para salvar a Sophie y de paso liberar al pueblo Goblin de su tiránico rey.


Otra serie original para el 2017 es "Kibaoh Klashers" de Saban Brands, que se desarrolla en torno a un joven escarabajo llamado Dylan que se siente llamado a convertirse en un campeón de las carreras automovilísticas tras el éxito de sus padres en el gran torneo Battle Blades. Sin embargo, cuando un corrupto Primer Ministro planea utilizar el evento para hacerse con el trono del Reino Escarabajo, corresponderá a Dylan y a sus amigos desbaratar sus planes, ganar el torneo y salvar el mundo.


Avi Arad y 41 Entertainment producen otra de las series originales previstas para finales del año que viene, titulada "Super Monsters". Se trata de una serie infantil que sigue las aventuras de seis niños en edad preescolar - Drac, Cleo, Lobo, Katya, Zoe y Frankie - que tienen superpoderes y deben vivir con una doble identidad: escolares de día y monstruos mágicos de noche, bajo el liderazgo de sus profesores de Pitchfork Pines, Igor y Esmie, que les ayudarán a controlar sus habilidades. En cada episodio se aprenderá la importancia de valores para los más pequeños como compartir, exteriorizar los sentimientos, respetar a los demás, etc.


En fin, otra serie original para el 2017, en esta ocasión dirigida a un público adulto, será "Big Mouth", creada por el actor Nick Kroll y el productor y escritor de "Padre de Familia", Andrew Goldberg, junto a Mark Levin y Jennifer Flackett. Se tratará de una comedia animada surrealista y al límite sobre un grupo de adolescentes en pleno desarrollo de la pubertad
Por otra parte, The Weinstein Company está tras la serie "Spy Kids: Mission Critical" que se estrenará en 2018. Se trata de una serie de aventuras en clave de comedia basada en la franquicia "Spy Kids", que sigue a los hermanos Juni y Carmen Cortez en cuanto ingresan en la academia Spy Kids, una escuela super secreta para formar a agentes infantiles. Cuando una nueva agencia de contraespionaje amenaza la seguridad mundial, corresponderá a ambos hermanos formar y entrenar un equipo de jóvenes cadetes Spy Kids para enfrentarse a las fuerzas de S.W.A.M.P. (Sinister Wrongdoers Against Mankind’s Preservation - Siniestros Malhechores Contra la Preservación de la Humanidad) y a su diabólico líder, Cerebro Dorado. Aunque el equipo Mission Critical no esté preparado, serán los únicos a los que acudir cuando los espías adultos fracasen.


Igualmente, Netflix planea para 2018 el estreno de una nueva serie de doce episodios basada en los cuatro primeros cómics de "Hilda", el personaje desarrollado por Luke Pearson que protaniza innumerables aventuras entre trolls y elfos en los paisajes escandinavos de Trolberg. La serie estará producida por Silvergate Media (Los Octonautas, Peter Rabbit).


También a comienzos del 2018 está previsto el estreno de "Robozuna", una serie original de ITV Studios. Se trata de una historia de trabajo en equipo y auto-descubrimiento en medio de batallas épicas en torno a un huérfano de 14 años llamado Ariston y un robot fabricado por él mismo llamado Mangle, que tratan de liberar a su país de la opresión ejercida por un emperador malvado y su legión de centuriones robot.


Otra de las series originales a estrenar en dos años será "The Hollow" (El Vacío) de Slap Happy Cartoons Inc. En este caso se trata de una serie de misterio que se desarrolla en torno a tres jóvenes - Adam, Kai y Mira - que un día se despiertan confundidos y solos en un búnker subterráneo, y tras cruzar una serie de extrañas ciudades y portales temporales poblados por peligrosas bestias y sorprendentes personajes, acabarán encontrándose y viéndose forzados a trabajar juntos para encontrar la forma de volver a casa.


También en 2018 se estrenará la serie original "Treehouse Detectives" (Los Detectives de la Casa del Árbol) de Saban Brands y el estudio coreano Sunwoo Animation. Es una serie preescolar en 3D en torno a un par de determinados osos amantes de la aventura - el amoroso Toby y su racional hermana Teri -  que forman un equipo de detectives llamado a resolver los misterios de la comunidad, tales como: ¿qué le ha pasado al muñeco de nieve? ¿adónde se han ido las orugas? o ¿por qué se caen las hojas de los árboles?


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Los cortometrajes de animación preseleccionados para los Oscar

La Academy of Motion Picture Arts and Sciences anunció ayer la lista de los 10 cortos de animación que finalmente han sido preseleccionados para los Oscar de entre los 69 candidatos que en principio optaban al galardón y que integraban a los trabajos españoles "Alike", de Daniel Martínez Lara y Rafael Cano Méndez, y "Decorado", de Alberto Vázquez, los cuales finalmente se han quedado fuera de los afortunados. Los 10 trabajos finalmente preseleccionados han sido los siguientes:

Blind Vaysha”, de Theodore Ushev (National Film Board of Canada)
Con un estilo expresionista que recuerda al grabado en linoleo, muestra el mundo a través de los ojos de una chica que sólo puede ver el futuro por el ojo derecho y el pasado por el izquierdo, siendo ciega para el presente; mientras el pasado se antoja familiar y acogedor, el futuro se le muestra siniestro y amenazador.


“Borrowed Time”, de Andrew Coats y Lou Hamou-Lhadj (Quorum Films)
Dos artistas de Pixar firman este trágico corto, ambientado en el western, en torno al sentimiento de culpa y la reconciliación consigo mismo. Una película oscura y adulta que, sin embargo, conserva el aire familiar de Pixar con sus personajes expresivos y el extremo cuidado puesto en la creación y ambientación de los escenarios.


“Happy End”, de Jan Saska (FAMU – Film and TV School of the Academy of Performing Arts, Praga)
Este corto de graduación narra en clave de comedia negra una historia de muerte con final feliz basada en una serie de improbables coincidencias en la que se ven implicados unos cazadores, el conductor de un tractor, un discotequero y un cadáver, lo cual sirve para efectuar un análisis de la naturaleza humana centrado en la moralidad individual y el sentimiento de culpa.


“The Head Vanishes”, de Franck Dion (Papy3D Productions, National Film Board of Canada y ARTE France Cinema Department)
Este corto en 3D del personal realizador francés desarrolla una surrealista historia que explora la situación de las personas con problemas neuronales relacionados con la memoria, significativamente el Alzheimer.


“Inner Workings”, de Leo Matsuda y Sean Lurie (Walt Disney Animation Studios)
El corto seleccionado para preceder al largometraje "Moana" de Disney, es una historia con sentido del humor, fresca y original, protagonizada por el temeroso cerebro y el divertido corazón de Paul, un rutinario oficinista cuyo camino al trabajo está plagado de distracciones hacia las que ambos órganos disienten sobre el modo de proceder, aunque siempre suele ser el cerebro el que sale ganando. Hasta que la monotonía del trabajo diario y la contemplación de lo bien que se lo pasa la gente en una playa cercana provoquen una situación difícil de resistir.


“Once Upon a Line”, de Alicja Jasina  (University of Southern California)
Evocadora de la animación polaca de los 60, es la historia de un hombre aburrido e incapaz de sentir ninguna emoción cuya vida sufre un vuelco cuando coincide con una mujer pelirroja y se enamora de ella a primera vista; cuando ella entra en su vida las cosas empiezan a salir de su control y, aunque no todo transcurre de la forma ideal que a él le gustaría, al final el protagonista descubre que existen diversas formas de vivir y que el mundo está lleno de color y esperanza.


“Pear Cider and Cigarettes”, de Robert Valley y Cara Speller(Massive Swerve Studios y Passion Pictures Animation)
Este largo corto de 35 minutos culmina un proyecto de animación que el diseñador y realizador Robert Valley asumió en solitario,  produciéndolo con su dinero y animándolo él mismo, con la voluntad de preservar su integridad y evitar que nadie influyera en su forma de contar la historia. Parte de la novela gráfica homónima del mismo artista y se basa en la propia experiencia vital de Valley, narrando episodios de su vida vinculados a lo largo de 25 años con un amigo de la infancia - que en la película se llama Techno Stypes - cuyo estilo de vida al límite le sumerge en una espiral auto-destructiva que le llevará a ingresar en un hospital chino a la espera de un transplante de hígado.


“Pearl”, de Patrick Osborne (Google Spotlight Stories/Evil Eye Pictures)
Ganador del Oscar por "Feast", Patrick Osborne vuelve a estar nominado, en esta ocasión por este trabajo realizado para ser disfrutado como una experiencia de realidad virtual donde se es testigo de la relación a través de los años de un padre soltero y su hija, acompañándoles en su recorrido vital en coche tocando la guitarra a lo largo del país.


“Piper”, de Alan Barillaro y Marc Sondheimer (Pixar Animation Studios)
No podía faltar en la selección este genial corto de Alan Barillaro que se estrenó juntamente con el largometraje "Buscando a Dory" y que cuenta en hiperrealista 3D una historia de crecimiento en torno a una cría de correlimos que se aventura fuera del nido por primera vez para buscar comida en la costa.


“Sous Tes Doigts (Under Your Fingers)”, de Marie-Christine Courtès y Ludivine Berthouloux (Vivement Lundi! y Novanima)
Al morir su abuela una joven euro-asiática revive, entre danzas y rituales, la singular historia de las mujeres de su familia, desde la Indochina de Hoà, donde tuvo lugar el encuentro amoroso con un colono francés, al aislamiento en un campo de  refugiados en Francia, pasando por el nacimiento de su madre Linh y la trágica partida hacia Francia en 1956, donde fueron explotadas por parte de los comerciantes de Lot-et-Garonne.


Los cinco cortometrajes que resulten finalmente nominados se anunciarán el 24 de enero del año que viene.

miércoles, 23 de noviembre de 2016

"Peter y el Dragón" en DVD y Blu-ray

"Peter y el Dragón", la película de Disney que desarrolla una familiar historia protagonizada por Peter y Elliot, su mejor amigo, que resulta ser un dragón, se lanza en DVD y alta definición el próximo 9 de diciembre.
Bryce Dallas Howard (“Parque Jurásico”) interpreta a la guarda forestal Grace; Pete está interpretado por Oakes Fegley (“Ahí os quedáis”); Oona Laurence ("Revancha") es Natalie, la hija de 11 años de Jack, propietario de un aserradero e interpretado por Wes Bentley (“Los Juegos del Hambre"). Karl Urban ("Star Trek") es Gavin, el hermano torpe de Jack y el ganador de un Oscar® Robert Redford ("Capitán América: El Soldado de Invierno") interpreta a Mr. Meacham, un viejo tallador de madera que disfruta contándoles cuentos sobre un feroz dragón a los niños del pueblo.
La película está dirigida por David Lowery ("Los Amantes de Texas") a partir de un guion compartido con Toby Halbrooks, basándose en un guion desarrollado por Malcolm Marmorstein y producido por Jim Whitaker ("La Hora Decisiva”), con Barrie M. Osborne ("El Señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo") como productor ejecutivo.
Una de las grandes apuestas fue la creación de un dragón verde y peludo de más de siete metros de altura, que puede lanzar fuego por la boca y que, además, puede volverse invisible. Esta impresionante acción fue brillantemente ejecutada por el equipo Weta Digital (que participa en las películas de “El Hobbit” y la trilogía de “El Señor de los Anillos”); pero son los pequeños momentos entre personajes los que crean el poderoso mensaje de la película: la importancia de la amistad, la familia y la necesidad de encontrar tu lugar en el mundo. Podéis leer nuestra crítica de la película en el enlace.


Contenidos adicionales de las ediciones Steelbook y Blu-ray:
  • Notas personales: El diario del director (10min 00seg) (Audio: Inglés) David Lowery presenta su diario personal del rodaje de "Peter y el Dragón" presentando todos los detalles de la película, de primera mano.
  • Creando magia (5min 00seg) El proceso de diseño y creación de Elliot el Dragón.
  • Momentos de “desaparición” (9min 10seg)
  • Tomas falsas (2min 02seg)
  • Comentarios en audio (1hora 42min 37seg)
  • Videoclip de la canción “Nobody knows” de The Lumineers (3min 10seg)
  • Videoclip de la canción “Something wild” de Lindsey Stirling y Andrew McMahon in the Wilderness (3min 44seg)
  • Bienvenido a Nueva Zelanda (3min 00seg) Tour por los escenarios de Nueva Zelanda que fueron utilizados para la producción de la película.

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Peter y el Dragón (18 de agosto 2016)

lunes, 21 de noviembre de 2016

Gantz:O

Dirigida por Yasushi Kawamura (director CG de Digital Frontier), bajo la supervisión de Keiichi Sato como director jefe, a partir de un guión de Tsutomu Kuroiwa, "Gantz:O" adapta el arco Osaka del manga "Gantz" creado por Hiroya Oku. En resumen, la historia sigue al joven Kato, que tras resultar muerto por un apuñalamiento en el metro de Toquio, despierta en una habitación a la que son transferidas periódicamente personas que acaban de morir y donde una gran esfera oscura que responde al nombre de Gantz les provee de trajes especiales y armas avanzadas y les envía a enfrentarse a hordas de monstruos alienígenas que atacan periódicamente las ciudades de la Tierra; durante estas misiones, los participantes deben sobrevivir y vencer, y si son los mejores podrán obtener una recompensa.


El manga ya había sido adaptado para el largometraje en un par de películas de imagen real - "Gantz" y "Gantz 2: Perfect Answer" - dirigidas por Shinsuke Sato y estrenadas en enero y abril de 2011, y ya contaba con una serie de animé en 2D de 26 episodios producida por el estudio Gonzo y dirigida por Ichiro Itano. Sin embargo, la presente versión en cgi es probablemente la adaptación más fiel al trabajo de Hiroya Oku, tanto en cuanto al fondo como en relación al diseño de los personajes, donde Kato, Reika, Nishi, Sukuki, Anzu, el desaparecido Kurono y demás, guardan bastante semejanza con sus originales.
¡Ojo! No nos llevemos a engaño; la película tiene la misma complejidad y profundidad que la piscina de un liliputiense, y sin embargo puede resultar muy entretenida si se sabe ver como lo que es: una aventura con el ritmo frenético de un videojuego donde sus jugadores deberán enfrentarse a enemigos cada vez más poderosos, en violentas luchas durante las cuales acabarán revelando cada uno de ellos sus fortalezas y miserias. En este sentido, la película tiene el acierto de hacer concurrir en su argumento unos perfiles que encarnan perfectamente las principales actitudes personales que se desarrollan en el manga: habiendo perdido a su principal líder, Kurono, el resto de jugadores se encuentra asustado y presto a seguir el principio de 'sálvese quien pueda', mientras el recién llegado Kato aportará el sacrificio y la actitud heroica en un escenario donde los viejos luchadores, en este caso los del equipo de Osaka, representan el egoísmo, la soberbia y el querer ganar cueste lo que cueste. Igualmente, la decisión de empezar con la muerte de Kurono y de introducir a Kato como un recién llegado, es muy adecuada para acercar la película también a quienes no sean seguidores previos del manga, puesto que junto al novato protagonista irán descubriendo qué es lo que pasa en torno a Gantz a lo largo de una historia prácticamente autoconclusiva, aunque al final no todas las preguntas resulten respondidas.
El diseño visual constituye uno de los principales alicientes del largometraje, que sabe aprovechar toda la potencialidad de la CGI para trasladar a la pantalla de forma realista y detallada los escenarios y personajes de la obra gráfica de Hiroya Oku. El acierto reside en que se opta por un realismo no extremo, alejado de aquellas producciones en que los personajes casi parecen actores y actrices reales pero quedan delatados por un incómodo hieratismo y una extraña sensación de vacío en sus ojos; en el caso de "Gantz:O", en efecto, Kawamura optó por un diseño cercano a lo realista pero también similar a los diseños del manga, alcanzando un punto de fidelidad encomiable que el seguidor de los cómics sabrá apreciar.
En cuanto al movimiento, la película se realizó haciendo pleno uso del motion capture, con sistemas capaces de registrar la más mínima variación en la posición de los ojos o en la punta de un dedo, con lo que cabe hablar más de interpretación y de multitud de efectos visuales que de animación. En este caso, la animación queda relegada principalmente a la animación de objetos y a los ajustes del motion capture, como en el anecdótico balanceo de los atributos pectorales de Reika (en casos como estos, el sexismo de algunos dibujos animados japoneses se sigue haciendo palpablemente patente).


Lo mejor: estamos ante la mejor adaptación de los cómics originales a la pantalla de cine, tanto por historia como sobre todo por su espectacular diseño visual.
En contra: quedan sin responder algunas preguntas sobre las que se podía haber arrojado alguna respuesta, como el origen de los monstruos que asolan las ciudades o quién mueve los hilos en el juego de Gantz.


jueves, 17 de noviembre de 2016

Mark Osborne encabeza la adaptación de "Bone"

Según ha avanzado The Hollywood Reporter, Mark Osborne - director de "Kung Fu Panda" y de la genial "El Principito" - se hará cargo de la adaptación del cómic de culto "Bone" creado por Jeff Smith. No será una sino tres películas, que estarán producidas por Lin Pictures, la compañía de Dan Lin, y Animal Logic de Zareh Nalbandian. El flamante director estará implicado al máximo en el desarrollo del proyecto, que no sólo dirigirá sino en el que también participará como productor ejecutivo junto a Mark Bauch de Lin Pictures, y del que co-escribirá el guión con Adam Kline.


Los cómics, publicados entre 1991 y 2004, aunque se ganaron su mayor legión de fans cuando fueron reeditados por Scholastic en forma de novela gráfica, cuentan con una mezcla de humor y oscura aventura épica la historia de tres primos de la familia Bone - Phoney, Smiley y Fone Bone - en su viaje a través de un misterioso valle repleto de fantásticas criaturas donde pesa la amenaza del Señor de las Langostas.
Osborne ha destacado lo especial que es "Bone" por su mezcla de elementos en apariencia dispares, como sus sencillos y amables personajes con apariencia cartoon y la fantasía heroica, por lo que es un reto para él llevarlo a la gran pantalla. El director está seguro de que el proyecto representa a la vez una oportunidad de reproducir lo que a los fans de todas las edades les gusta de la serie y de adentrar el lenguaje de la animación en áreas nuevas y excitantes.
Anteriormente estuvieron vinculados al proyecto P.J. Hogan como director y Patrick Sean Smith como guionista.

Fox respaldará "The Dam Keeper"

El estudio Tonko House, de Robert Kondo y Dice Tsutsumi (anteriormente directores de arte en Pixar), y 20th Century Fox Animation se han asociado para desarrollar un largometraje basado en el corto "The Dam Keeper" que llevó a los primeros a estar nominados a los Oscar en 2015. Kondo y Tsutsumi dirigirán la película, mientras que Fox se encargará de su distribución a nivel internacional y tendrá a su ejecutiva Darlene Caamaño supervisando la producción, que también contará con el productor independiente Kane Lee (procedente de Startz Productions y Blue Sky Studios).


Contando con la participación en el guión de John Henry Hinkel, la película se basará en el pitch que Robert Kondo y Dice Tsutsumi desarrollaron  profundizando en la historia y ampliando los personajes del universo del celebrado cortometraje, que con un sensacional tratamiento gráfico cuenta la historia de Cerdo, un joven introvertido que vive en un molino con el que cada día trata de evitar que una oscura niebla engulla a su ciudad, y que en medio del rechazo de sus compañeros de escuela encuentra la amistad del recién llegado Zorro. El largometraje retomará la historia transcurridos unos años después de lo acontecido en el corto y también dará respuesta a algunas de las cuestiones que se generaron a partir del mismo. Por otra parte, mientras el trabajo original se desarrollaba sin diálogos y en 2D, a partir de 8000 dibujos creados digitalmente, el futuro largometraje sí que tendrá diálogos y en principio estará realizado en CGI. Los creadores de Tonko House se manifiestan entusiasmados de volver a la animación 3D, habiendo estado una década trabajando en Pixar y Blue Sky, y deseosos de aportar algo nuevo en el atiborrado mercado de la animación CG, aunando lo mejor de las tradiciones de la animación occidental y japonesa.
Desde el mismo momento en que empezaron a pensar en la creación de un largometraje basado en el corto, Dice Tsutsumi y Robert Kondo se plantearon la necesidad de encontrar al socio o socios más adecuados para hacer llegar el proyecto al mayor número de público, y parece que han encontrado en 20th Century Fox al acompañante perfecto en su nueva aventura.
El universo de "The Dam Keeper" se expande por otra parte en otros medios: se está trabajando en una novela gráfica de tres volúmenes basada en el corto, el primero de los cuales se publicará el año que viene; y, como se anunció recientemente, existe un acuerdo con Hulu Japón para desarrollar una serie en 2D de 10 episodios, que se estrenaría igualmente en verano del año que viene.

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lunes, 14 de noviembre de 2016

La Vida de Calabacín

Ganadora del Premio del Público y del Premio Cristal al Mejor Largometraje de Animación en el Festival de Annecy de 2016, entre otros reconocimientos, "La Vida de Calabacín" (Ma Vie de Courgette) supone un conmovedor abrir de ojos en el cine de animación infantil: haciéndose un hueco entre todas las historias endulzadas y/o fantasiosas que constituyen la mayor parte de los contenidos que se sirven a los más pequeños, el largometraje de Claude Barras supone un acercamiento, realizado con la delicadeza suficiente pero sin ambages, a una realidad dura como es la constatación de que no todos los niños pueden vivir una infancia normal con sus familias, que existen circunstancias difíciles de sobrellevar en las que un niño puede encontrarse sin ser en modo alguno culpable de las mismas, y que ... en todo caso, existe esperanza para ellos.


Basada con bastante fidelidad en la novela "Autobiographie d'une Courgette" (2002) de Gilles Paris, pero adaptada para el público joven, la película cuenta la historia de un niño de 9 años apodado 'Calabacín' que tras la muerte de su madre ingresa en un hogar de acogida donde viven más huérfanos y niños en situación de desprotección. En un principio no se lleva muy bien con el resto de los niños y se siente en un lugar hostil y extraño, pero con la ayuda de su amigo el policía Raymond y de sus nuevos amigos aprenderá a confiar y encontrará el amor y una verdadera familia.
"La Vida de Calabacín" supone el debut en el largometraje del director Claude Barras, que desarrolla un guión de Céline Sciamma (Girlhood, Tomboy) con aportaciones de Germano Zullo, Morgan Navarro y del propio realizador.
A lo largo de sus breves setenta minutos, y huyendo del melodrama, la película efectúa un viaje emotivo y amable por una situación que no es la de la mayoría de niños, pero que es bueno que éstos conozcan: la de los niños y niñas que viven en orfanatos o instituciones de acogida porque han perdido a sus padres, o porque éstos les maltratan o porque no pueden cuidar de ellos; tal es la amplitud de situaciones que encarna la galería de personajes acogidos en el hospicio: el hijo de una madre alcohólica y un padre que los abandonó, el hijo de unos padres drogadictos, una niña que sufrió abusos de su padre, otra que vió cómo su padre mataba a su madre para suicidarse a continuación, hijos de emigrantes cuyos padres han sido deportados o están en la cárcel... Niños que acaban encontrando refugio en nuevos 'hogares', que lejos de estar retratados como lugares de sufrimiento y castigos como ha sido habitual en el cine respecto a los hospicios y orfanatos (como también a menudo la figura de las llamadas madrastras y padrastros y por extensión los padres adoptivos, figuras que también rehabilita el realizador), son lugares donde pueden redescubrir una alegría acaso parcial y donde un sentimiento muy humano llamado solidaridad puede alcanzar su máxima expresión y lograr que se sientan de verdad como parte de una familia. Por estos derroteros transita Claude Barras con una historia en apariencia sencilla pero que logra reflejar con un realismo extremo, a la vez que con la simpatía y el corazón que destila la visión del mundo expresada por los mismos niños y en especial por el niño protagonista y sus dibujos, el drama y las alegrías de estos chavales que se ven forzados a vivir en hogares extraños, y cuyas circunstancias les obligan a hacerse los fuertes, a desarrollar la astucia, a convertirse incluso en adultos antes de lo que les tocaría, pero cuyas ganas de ser amados les permite desarrollar unos fortísimos vínculos de amistad entre ellos y a desearse lo mejor, que al fin y al cabo es poder llamarle a alguien de nuevo 'mamá' o 'papá'. Precisamente porque es una película para niños, aunque por su contenido y por su forma será igualmente interesante para los adultos, Claude Barras acierta al exponer la historia con un tratamiento que no les asustará, pero que al mismo tiempo es directo, realista y sin condescendencias.


La técnica de animación utilizada es la del stop motion, si bien no encontraremos en esta película el stop motion con multitud de efectos e infinidad de expresiones logradas mediante impresión 3D a las que nos tienen acostumbrados estudios como Laika, francamente innecesarios en esta historia, sino una animación sencilla, artesanal y cercana a los sentimientos en la que los rostros de los personajes simplemente tienen animados ojos, cejas, boca y en limitadísimas ocasiones el cabello, y sin embargo logran transmitir toda la expresividad que la historia requiere. No faltan en todo caso, junto a escenas más íntimas y contemplativas, aquellas que se rinden a la aventura y la diversión y constituyen un ingente reto a nivel de animación, como la secuencia del baile o la guerra de bolas de nieve, por citar sólo un par.
El público joven sabrá encontrar en los cariñosos diseños de los personajes, de largos brazos, cabeza grande, narices coloradas y ojos saltones, el alivio necesario a la realidad que se esconde en sus corazones. Un diseño por cierto que contrasta con la perfección del uniformizador 3D y de muchos de los diseños de las grandes producciones en stop motion, quizás para remarcar que no toda realidad es tan perfecta como parece: a pesar de estar construidos con el mismo látex , silicona y resina utilizados en la mayoría de producciones de este tipo, los personajes muestran en esta ocasión una textura orgánica, con imperfecciones, que por otra parte resaltan su carácter artesanal.

Lo mejor: Claude Barras consigue lograr un equilibrio perfecto entre el dramático realismo y la amabilidad de su narración y del diseño visual para acercar al público joven a una verdad cruel.
En contra: no apta para las familias que quieran mantener a sus hijos en la dulzona burbuja de las películas Disney y similares.