martes, 30 de diciembre de 2014

Toy Story: El Tiempo Perdido

Ayer se estrenó en las pantallas de televisión españolas a través de Antena3 el especial navideño "Toy Story: El Tiempo Perdido", estrenado originalmente el 2 de diciembre en el canal norteamericano ABC bajo el título "Toy Story That Time Forgot", como el segundo especial de navidad lanzado por Pixar tras "Toy Story of Terror" (estrenado también por Antena3 el 2 de enero de 2014).


Situando la historia en un punto posterior al del primer especial, en que los conocidos juguetes de la franquicia están ya seguros en casa de Bonnie, "Toy Story: El Tiempo Perdido" narra una nueva aventura que potencia el protagonismo de los, a priori, personajes secundarios, poniendo así de relieve uno de los puntos fuertes de la marca, a la vez que le añade frescura. Asimismo, siguiendo la tendencia del primer especial, incluye gags e historias más dirigidas a los padres que a los niños, reforzando su potencial como película familiar.
Tras el susto pasado en "Toy Story of Terror", en el nuevo especial los juguetes han recuperado la tranquilidad de encontrarse en un ambiente de juegos e imaginación, libres del estrés sufrido en las anteriores entregas, y en ese punto, Bonnie decide llevarse a algunos de ellos (Woody, Buzz, Rex, la triceratops Trixie y Angel Kitty) para jugar en casa de un amigo. Sin embargo, el niño está completamente absorbido por los videojuegos, y consigue que Bonnie se siente con él frente a la pantalla; descartados del juego, Woody y compañía deciden explorar la habitación del chico y tras las cajas abandonadas descubren una civilización de juguete-saurios que, olvidados por su dueño, viven por su cuenta entregados a la lucha, siguiendo el liderazgo del guerrero Reptillus Maximus y bajo el mando del oscuro Clérigo. Mientras que Trixie y Rex son acogidos cálidamente y provistos con equipamiento de batalla, a sus espaldas Woody, Buzz y Kitty son capturados; no será hasta que Trixie y Rex sean invitados a participar en la arena que se den cuenta, con horror, de que los otros juguetes son sacrificados en la lucha y de que sus amigos están en peligro. Entonces Trixie asume el papel de salvadora, puesto que el equipo de Rex ha sido manipulado por el Clérigo para convertirle en una marioneta, y tendrá que hacer lo posible para salvar a sus amigos y abrirle los ojos a Reptillus Maximus sobre su naturaleza y su misión como juguete.


Escrita y dirigida por Steve Purcell ("Brave"), "Toy Story: El Tiempo Perdido" traslada con pericia a los personajes de la franquicia al  género de las películas de gladiadores y el cine fantástico de Ray Harryhausen y los mundos de Edgar Rice Burroughs y Frank Frazetta, igual que "Toy Story of Terror" los situaba hábilmente en el marco de las películas de terror. Asimismo se apoya en un nuevo problema que suele afectar a los juguetes clásicos, como es la competencia de los videojuegos, demostrando que nuevas ideas  con posibilidades para desarrollar historias entretenidas no faltan, y por tanto no hay nada que temer por la anunciada secuela Toy Story 4.
Otro de los aciertos del especial sigue siendo la introducción de nuevos personajes, entre los que la impertérrita Angel Kitty nos brinda momentos para la risa con sus lacónicas sentencias llenas de sabiduría.
Técnicamente, en fin, "Toy Story: El Tiempo Perdido" está tan excelentemente trabajada que hace que nos olvidemos de que estamos viendo un especial hecho para la televisión. No en vano se ha tardado tres años en tenerla finalizada, y a nivel técnico y de animación no tiene mucho que envidiar a sus hermanas mayores.

lunes, 29 de diciembre de 2014

Anunciada la edición 2015 de Animac

Animac, la Mostra Internacional de Cinema d'Animació de Catalunya, ha anunciado la nueva edición del festival para el 2015 entre los días 19 y 22 de febrero, explicitando como leit motif una recuperación de la mano del artista.


Celebrando que en plena era digital los artistas siguen siendo parte fundamental del cine de animación, Animac celebra el redescubrimiento por parte de los artistas jóvenes de técnicas tan antiguas como el stop-motion y la supervivencia del dibujo artesanal, y pone de manifiesto que todavía se sigue dibujando, pintando y en definitiva, contando con la mano del artista. Con este planteamiento, el festival tendrá como invitado muy especial al animador experimental y artista plástico Pierre Hébert (Montreal 1944), que es discípulo de un referente mundial en el campo de la animación experimental como Norman McLaren (Stirling, Escocia 1914 - Montreal 1987), pionero en numerosas áreas de la animación como el dibujo sobre película, la música visual, el filme abstracto y la pixilación. La carrera de Pierre Hébert se extiende a lo largo de 50 años durante los que ha realizado películas, performances y arte visual, trabajando en el National Film Board de Canadá entre 1965 y 1999 y realizando proyectos independientes desde entonces, siempre con un acercamiento experimental, en los que se reclama discípulo de McLaren y de Len Lye.

Pierre Hébert

Animac ha recibido para la próxima edición más de 600 películas nacionales e internacionales entre las que ofrecerá "O Menino e o Mundo" de Alê Abreu, ganador en la pasada edición del festival de Annecy, y el largometraje preseleccionado para los Oscar "Rocks in my Pockets" de Signe Baumane, así como los cortometrajes "Me and My Moulton", de Torill Kove, también preseleccionado para los Oscar, o "Lluvia en los Ojos", de la animadora stop-motion mexicana Rita Basulto, y producciones españolas como "Bloquejats Apilats" de Anna Solanas y Marc Riba, "Zepo", de César Díaz, "Bendito Machine V-Pull the Trigger" de Jossie Malis, "La Princesa Xina", de Tomàs Bases,  "Tinc Por" de Laura Ginès, y el más reciente e iconoclasta corto del estudio madrileño Trimono.
Además de las proyecciones, el festival ofrecerá durante los cuatro días de celebración conferencias, talleres y actividades especiales, en los que destaca su vocación pedagógica.

miércoles, 24 de diciembre de 2014

Laika anuncia su nueva película

Laika, el estudio responsable de Coraline (2009), Paranorman (2012) y Los Boxtrolls (2014), ha anunciado ya cual va a ser su próxima película, que en esta ocasión va a elevar a la categoría de director al animador Travis Knight, hijo del propietario del estudio Phil Knight.
Partiendo de un guión de Marc Haimes y Chris Butler (Paranorman), "Kubo y las Dos Cuerdas" nos trasladará a Japón para contarnos la historia de un humilde lugareño llamado Kubo cuya vida dará un vuelco cuando deba hacer frente a la ira de un espíritu vengador; para ello saldrá en busca de una armadura mágica que ya llevara su padre en sus tiempos de gran samurai, debiendo evitar a todo tipo de dioses y monstruos.


Según palabras de su futuro director, Travis Knight, la película se desenvolverá a partir de antiguos cuentos y folklore japoneses, con antiguas civilizaciones perdidas, origami místico, nobles héroes, amantes con poca fortuna y monstruos escalofriantes. El director promete una película a la vez épica e intimista; un cuento de hadas intenso envuelto en la imaginería más extraña y excitante que se haya visto jamás. Y además, una historia emotiva y poética que merece ser contada.
Con tal descripción, se hará largo esperar hasta su estreno previsto para agosto del 2016.

sábado, 20 de diciembre de 2014

"Big Hero 6": Disney aprendiendo de Pixar

Big Hero 6 es resultado de la adquisición de Marvel por parte de Disney en 2009; se inspira de hecho en un cómic homónimo de la firma, aunque no es en absoluto una adaptación del mismo, limitándose a extraer inspiración para los personajes y algunas anécdotas. Dirigida por Don Hall (Winnie The Pooh) y Chris Williams (Bolt), desarrolla un guión de Jordan Roberts, Daniel Gerson y Robert Baird y se ha realizado bajo la supervisión y asesoramiento de su productor, John Lasseter, el responsable de Pixar (que no ha estrenado película en 2014). Precisamente para Pixar dirigió Brad Bird la película "Los Increíbles", a la que Big Hero recuerda en muchos momentos, como también recuerda a otra gran película de Bird: El Gigante de Hierro. Y es que de hecho da la sensación de que Disney ya está recogiendo el fruto de haber adquirido Pixar en su día y está aprendiendo a hacer películas como las del estudio de Toy Story: con historias cuidadas, dirigidas también a un público adulto,visualmente muy bellas y que emocionan, y se desarrollan en entornos con todos los detalles que los hacen creíbles. Disney, pues, ha aprendido de Pixar, aunque aún le queda un trecho.


La historia se desarrolla en la ciudad ficticia de San Fransokyo (un San Francisco con la estética y el estilo de la ciudad japonesa), donde viven los huérfanos Hiro Hamada y su hermano mayor Tadashi bajo el cuidado de su tía Kass. Ambos hermanos son unos genios de la robótica; pero mientras Tadashi aplica sus conocimientos a la investigación, Hiro pierde el tiempo en la creación de mini robots para combates callejeros. Cuando finalmente Tadashi consigue atraer la atención de Hiro hacia aplicaciones más profesionales y le anima a crear un proyecto de nanobots controlados mentalmente que le hace merecedor de entrar en su mismo laboratorio de investigación (donde conoce a sus futuros compañeros), el hermano mayor fallece heroicamente en un extraño y devastador incendio en el que también desaparecen su mentor y los nanobots de Hiro. Como legado, Tadeshi deja un robot médico que ha desarrollado con la idea de ayudar a los necesitados, y cuyo primer paciente es Hiro. Con la ayuda de BayMax, que así se llama el robot, Hiro descubrirá que tras el accidente mortal de su hermano está una misteriosa figura enmascarada que se ha hecho con sus nanobots, y decidirá combatir al villano creando un grupo de superhéroes integrado por sus compañeros de laboratorio y desarrollando funcionalidades más combativas para su inocente robot.
De hecho, es en las secuencias en que se establece la relación entre Hiro y Baymax donde la película es especial. Baymax es un simpático robot rollizo hecho de vinilo hinchable, con dos ojos negros como única expresión (al puro estilo Wall-E) y algo patoso al principio, que en su fijación por ayudar a su paciente Hiro aporta los momentos más divertidos y los más emotivos del largometraje. Así son las escenas en que Baymax se desplaza distraida y torpemente hasta el lugar donde reencuentran a los nanobots, la que se produce en la comisaría de policía con los problemas de reventones del robot y el momento de borrachera que le parece entrar cuando flojean sus baterías; como también la escena en que Baymax comparte con Hiro las imágenes que tiene registradas de su hermano mayor.
La otra parte de la historia la aporta la formación y la entrada en acción del equipo de superhéroes que acompañan a Hiro y Baymax: Go Go Tomago, que se desplaza velozmente cual skater sobre unos discos que también puede lanzar; Honey Lemon, una dulce rubita que es una genio de la química; el obsesionado del orden Wasabi con sus cuchillas láser; y el friki de los cómics Fred, que sueña con ser un dragón que escupa fuego. Precisamente la formación del grupo aporta también unos momentos divertidos que son también un guiño a Batman (no de Marvel precisamente), al tener lugar en una fastuosa mansión en que presta servicio un conformado mayordomo muy al estilo de Alfred.


Sin embargo, una vez el equipo entra en acción la película pierde un poco su fuelle y lo que la hace especial, y pasa a ser otra película de superhéroes en espectaculares trajes y con poderes especiales que van tras un villano. Acaso lo que la distingue de muchas a partir de este momento es el acierto en evitar que la película se convierta en un panfleto de héroes vengadores que imparten su justicia, al recuperar el mensaje de compasión y compañerismo que Tadeshi quiere dejar a su hermano a través de Baymax. Es seguramente cuando sus compañeros tratan de calmar la ira de Hiro y de consolarle, y en definitiva cuando no están luchando es cuando adquieren mayor desarrollo.
Uno de los aspectos destacados de la película es sin duda el apartado visual, reflejado sobre todo en la creación de esa fantástica ciudad que es San Fransokyo. Con la obsesión de plasmar todos los detalles de la vida real, la ciudad de San Francisco es construida de nuevo en la película como si fuera una ciudad con una patente influencia japonesa, y de este modo contemplamos paisajes reales de San Francisco totalmente reconocibles pero transformados: con sus casas victorianas rematadas con los clásicos gatos japoneses, calles con luces de neón brillantes y anuncios móviles, el conocido tranvía iluminado por lámparas de papel, y hasta un Golden Gate muy japonés. Así, 23 distritos de San Francisco fueron reconstruidos en 3D y se prestó especial atención a capturar la luz de la ciudad, tratando de recrear la especial atmósfera de la bahía.


En cuanto a la animación, el nivel es incuestionable, tanto en la animación de los personajes (que pasaron por todo tipo de pruebas previas y poses para asegurar que se movieran correctamente) como en la animación de partículas, significativamente los nanobots: en algunas escenas, hasta 20 millones de partículas se mueven en un solo plano. En la película trabajaron 103 animadores, que han animado hasta 686 personajes únicos, y se han tenido que formar en vuelos, artes marciales, robótica y propiedades de los materiales, entre otros muchos temas.
En definitiva, Big Hero 6 es una de las películas del año; otro must see que vale la pena ver, aunque quizás esté más orientada a los jóvenes y a los adultos, si bien no dejará sin momentos divertidos a los niños.

La película viene precedida por el cortometraje "Feast", una cinta de bella factura que tiene el acierto de contarnos la relación a través de la comida que se forma entre una pareja y su perro desde el punto de vista de este último, que para el caso es un perro llamado Winston al que su amo James acogió de cachorro. Los deliciosos momentos gastronómicos que han compartido siempre se tuercen cuando una mujer entra en su vida y transforma las costumbres con sus planteamientos vegetarianos; a partir de ese momento Winston tiene que soportar con fastidio que cesen de lanzarle todo tipo de golosinas y encontrarse en cambio con hierbas sobre su pienso. Hasta que en un momento determinado las cosas vuelven a lo que eran, al verse su amo abandonado, pero Winston prefiere hacer lo posible para volver a ver feliz a James y va en busca de Kirby. Acaso no esté en todo caso claro el mensaje en todo caso, puesto que al final parece ser la chica quien acepta los desmanes alimenticios del resto de la familia, con lo que el perro no tiene que soportar finalmente ningún sacrificio.
El cortometraje está dirigido por Patrick Osborne (Paperman, Big Hero 6) y producido por Kristina Reed y realizado mediante una combinación de dibujo tradicional y animación por ordenador, que incorpora una técnica creada por Osborne y Jeff Turley (director de arte en "Tiana y el Sapo", "Paperman") para aplicar un estilo de dibujo lineal a imágenes en movimiento generadas por ordenador, ya ensayada en "Paperman".



miércoles, 17 de diciembre de 2014

"Pixels", los videojuegos nos atacan en 2015

Un videoclip francés de 2010, escrito y dirigido por Patrick Jean para la banda Naïve New Beaters, llamó la atención de Hollywood al poner en escena, en un montaje de imagen real y CGI, una invasión de Nueva York por parte de gigantescos gráficos muy conocidos procedentes de videojuegos clásicos de 8-bits como Pac-Man, Arkanoids, Tetris, Space Invaders y semejantes. Aparte de alzarse con el Premio Cristal de Annecy de 2011 como Mejor Cortometraje, un mes después de su estreno ya se anunciaba que Columbia Pictures y Happy Madison Productions estaban en conversaciones para obtener los derechos dirigidos a desarrollar un largometraje a partir de la misma idea.


El 30 de mayo de 2013 ya se cerraba el acuerdo con Chris Columbus (conocido por su participación en célebres cintas como Los Gremlins, Los Goonies, la saga de Harry Potter o Noche en el Museo) para que dirigiera la película, y se obtenían las licencias para el uso de la imagen de los personajes de Pac-Man, Space Invaders, Frogger o Donkey Kong. Posteriormente se confirmaría la participación de actores como Adam Sandler, en el papel protagonista, Kevin James, Josh Gad, Peter Dinklage, Michelle Monaghan, Brian Cox, Ashley Benson o Michelle Krakowski.
Basándose en un guión escrito por Tim Herlihy y Timothy Dowling a partir de una historia diseñada por el propio Herlihy, Adam Sandler y el creador del corto originial, Patrick Jean, la película se empezó a rodar en Toronto (Canadá) en junio de este año, utilizando calles de la ciudad que se redecoraron para parecerse a las calles de Nueva York. Igual que en la versión más corta de la historia se mezclará imagen real y CGI.
El guión de la película parte de una situación muy parecida a la del videoclip original, al narrar una invasión de la Tierra que se produce utilizando a los modelos de varios videojuegos clásicos como armas de guerra. Entonces, el Presidente de los EEUU (Kevin James) solicitará la ayuda de su amigo de la infancia, un campeón de los videojuegos llamado Sam Brenner (Adam Sandler), que formará un equipo de jugadores para plantar cara a la invasión.
Ayer se presentó un conjunto de cinco posters anticipando el estreno del largometraje, que está previsto para el 24 de julio de 2015.






lunes, 15 de diciembre de 2014

Recuperada una vieja cinta de Disney en Noruega

Una biblioteca del norte de Noruega ha saltado a la celebridad esta semana al recuperar una vieja cinta de Disney de 1927 que se daba por perdida desde hacía mucho tiempo y de la que sólo se conservaba hasta ahora un segmento de 25 segundos en el MoMA de Nueva York. La cinta en cuestión es un cortometraje titulado "Empty Socks" (Calcetines Vacíos) que protagonizaba un personaje previo a Mickey Mouse: Oswald el conejo, un personaje creado por Disney y Ub Iwerks. Y es además la primera historia navideña creada por la compañía.


Los responsables de la biblioteca de Mo i Rana se encontraban digitalizando documentos y cintas de su fondo cuando dieron con la cinta, y desconociendo de qué personaje se trataba (pensaron incluso en Félix el Gato) consultaron al historiador especialista en cine David Gerstein, que les ilustró sobre lo que acababan de encontrar.
La recuperada cinta tiene una duración de 5 minutos y treinta segundos, aunque se ha perdido un minuto de la parte central, y ahora una copia digital de la misma ha sido enviada a Walt Disney Company, mientras la cinta original permanece en Noruega.
También se encontró la copia de otra cinta de Oswald, "Tall Timber", realizada en 1928; esta sería una de las últimas que hicieron Disney y Ub Iwerks antes de verse obligados a ceder el personaje a Universal, lo que les llevaría finalmente a crear a Mickey Mouse, aunque los derechos sobre Oswald se recuperaron en 2006.
Oswald The Lucky Rabbit fue creado por Walt Disney y Ub Iwerks cuando perseguían nuevas posibilidades creativas tras finalizar su trabajo en "Alice Comedies" y crearon un conejo porque ya había muchos gatos (Felix el Gato, Krazy Kat..); en aquel tiempo Universal estaba interesada en entrar en el campo de los dibujos animados y el distribuidor de Disney Charles Mintz les convenció de vender el personaje a Universal, que fue la compañía que puso nombre al personaje.
El primer cortometraje, "Poor Papa", fue rechazado por Universal (aunque se lanzaría un año después, modificado y rebautizado como "Mickey's Nightmare"), y Disney e Iwerks crearon otro, con un Oswald más joven que se dio a llamar "Trolley Troubles" y se estrenó en septiembre de 1927, iniciando una serie que daría lugar a nueve producciones ese año y diecisiete el siguiente, hasta que tras discrepancias económicas Disney e Iwerks acabaron apartados del personaje e iniciaron su camino con personajes propios.
Oswald se quedaría en manos de Mintz, que abrió su propio estudio con animadores de Disney, y posteriormente pasó directamente a los estudios de Universal, bajo la supervisión de Walter Lantz, que produciría 142 de las 194 cintas protagonizadas por Oswald.

Elegida la Mejor Película de Animación Europea 2014

Tras las votaciones de sus más de 3000 miembros, realizadores de toda Europa, la Academia de Cine Europea ha proclamado en la ceremonia de este año en Riga como Mejor Película de Animación Europea del 2014 a "L'Arte della Felicità" (El Arte de la Felicidad), del italiano Alessandro Rak.
Precisamente, esta película fue una de las preseleccionadas para los Globos de Oro que quedaron finalmente excluidas de las nominaciones (de hecho ninguna película no estadounidense ha quedado finalmente entre las nominadas a los referidos premios). En la carrera hacia la coronación como Mejor Película de Animación Europea, se ha impuesto a las otras dos nominadas: "Jack et la Mécanique du Coeur", de Mathias Malzieu, y "Minuscule: La Vallée des Fourmies Perdues" de Thomas Zsabo y Hélène Giraud, ambas de producción francesa.
La película narra una historia que se desarrolla en torno a un conductor de taxi, Sergio, que recibe una terrible noticia a partir de la cual nada volverá a ser lo mismo. Reflejado en un espejo, Sergio contempla a un hombre de 4o años de edad que dejó atrás la música que tanto le gustaba para sumergirse en un Nápoles decadente, y en busca de la luz perdida se ve envuelto en una multitud de recuerdos, esperanzas y remordimientos que le acompañarán en su taxi y bajo la música hasta que el cielo luzca de nuevo.




viernes, 12 de diciembre de 2014

"El Principito" animado de Mark Osborne

Esta semana se publicaban las primeras imágenes de una prometedora adaptación al cine de animación de la célebre novela "El Principito" de Antoine de Saint-Exupéry, que es un canto al valor de la amistad y de la imaginación.


La película está dirigida por Mark Osborne, director y productor que ha recibido hasta el momento dos nominaciones a los Oscar por "Kung Fu Panda" (2008) que dirigió junto a John Stevenson, y por el cortometraje de animación stop-motion "More" (1999), que se llevó finalmente el premio de la Academia a su categoría, entre muchos otros. Asimismo, Osborne es también conocido por haber dirigido las escenas de acción real de "Bob Esponja: La Película" y de su serie de TV.
Iniciado en 2010 y contando con un presupuesto de 80 millones de dólares, el largometraje parte de un guión de Irena Brignull que adapta el conocido relato de un niño que desciende a la Tierra desde su pequeño planeta y que se encuentra a un joven aviador que se ha perdido en el desierto; sin embargo, envuelve la historia original con otra, que es la de una niña de nuestra época que descubre el cuento gracias a un anciano vecino suyo (y que todo indica que es aquel joven aviador). Por las imágenes que se han visto hasta ahora, los realizadores dan a ambas historias, la de la novela y la de la niña que se interesa por ella, dos tratamientos estéticos ligeramente distintos, de manera que las escenas de la primera están animadas mediante stop motion y se acercan más a una estética de libro ilustrado (con los ojos en forma de puntito y los colores propios de las acuarelas de la novela original, que fueron realizadas por el mismo Exupéry), mientras que las de la segunda, están realizadas en 3D y nos muestran a unos personajes algo más "realistas".


La película ha sido producida principalmente en los estudios de Mikros Image en Montreal. Esta compañía se dedica a desarrollar proyectos CGI de todo tipo, desde anuncios, videos musicales y juegos hasta largometrajes, estando también detrás de la realización de las películas "Astérix: El Dominio de los Dioses", "Astérix en los Juegos Olímpicos" o "Astérix y Obélix al Servicio de su Majestad".
Paramount Pictures la estrenará en Francia en octubre del 2015 y es de esperar que llegue a nuestras pantallas posteriormente.
Os dejamos con el trailer:


Nominaciones de animación a los Globos de Oro

Ayer se dieron a conocer en el Hotel Beverly Hilton de Beverly Hills los nominados a los Globos de Oro, los galardones que otorga la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood, en el marco de la temporada de mediáticos premios cinematográficos que se abre en octubre y finaliza en marzo del año siguiente. Los Globos de Oro se otorgan en reconocimiento a la excelencia en cine y televisión a profesionales de todo el mundo.
Los cinco nominados a Mejor Largometraje de Animación han sido finalmente:
  • Big Hero 6, de Disney
  • El Libro de la Vida, de ReelFX
  • Los Boxtrolls, de Laika
  • Cómo Entrenar a Tu Dragón 2, de Dreamworks Animation
  • Lego La Película, de Warner Bros
Entre las preseleccionadas que finalmente han quedado fuera se cuentan El Arte de la Alegría (de Big Sur, Italia), Cheatin' (de Bill Plympton), Henry&Me (de Reveal Animation Studios), The Hero of Color City (de Exodus Film Group), Mr.Peabody&Sherman y Pingüinos de Madgascar (de Dreamworks Animation), Pirate Fairy y Aviones:Fuego y Rescate (de DisneyToon Studios), Rio 2 (de Blue Sky Studios), La Reina de la Nieve 2 (de Wizart Animation, Rusia), La Canción del Mar (de Cartoon Saloon) y El Cuento de la Princesa Kaguya (de Studio Ghibli, Japón).

viernes, 5 de diciembre de 2014

El escándalo de los salarios de Pixar y compañía

Ya hace varios días que se habla del escándalo de la limitación de salarios de los animadores iniciada por Pixar y acordada con otros importantes estudios de animación americanos, y por el alcance del problema y por solidaridad con los trabajadores afectados no podíamos quedarnos sin hacer al menos un resumen del turbio asunto.
A raíz de diversas demandas interpuestas hace un año por algunos animadores de EEUU se ha dado a conocer que a mediados de los ochenta, Ed Catmull (entonces presidente de Pixar y actualmente presidente de Pixar y Disney Animation) y George Lucas trazaron un plan para limitar los salarios de sus trabajadores y evitar que fueran contratados por otros estudios. Catmull amenazaba a los estudios que no se atuvieran a sus reglas, orquestando así una especie de cartel secreto que contravenía las normas de la Sherman Antitrust Act, una legislación orientada a evitar prácticas anti-competitivas. En este cartel estarían además de Pixar y Lucasfilm, Walt Disney Animation, Dreamworks e ImageMovers ,además de Orphanage, que ya no existe. Se ha sabido que Catmull - con el conocimiento de John Lasseter - trató también de llevar al redil a Sony, que ofrecía mejores salarios y condiciones a los animadores de Pixar, en un encuentro en Los Angeles en 2004; sin embargo parecía que Sony rechazó el acuerdo, porque en 2007, cuando Pixar ya había sido adquirido por Disney, Catmull trasladó al presidente de Disney en aquel momento, Alan Bergman, su deseo de que los estudios castigaran a Sony.
De esta manera Disney-Pixar y los otros estudios implicados en el acuerdo anti-competitivo se llenaron los bolsillos en la época del boom de la animación mientras sus trabajadores veían que sus sueldos apenas aumentaban y que sus oportunidades laborales eran escasas al existir un acuerdo para evitar el trasvase de animadores entre los estudios.
Tres nuevas demandas interpuestas esta semana ponen de relieve que Jeffrey Katzenberg, de Dreamworks Animation, jugó también un importante papel en el escándalo, y que Blue Sky Studios también estaría implicado; además también se ha señalado finalmente a Sony. Se hace referencia por ejemplo a un email de finales de 2006 enviado por el jefe de Recursos Humanos de Pixar a sus colegas de Dreamworks, Sony Pictures Imageworks, Lucasfilm/ILM, Walt Disney Animation Studios, Blue Sky Studios y otros informándoles del presupuesto que Pixar había previsto para aumentos de salarios para el 2007, y solicitándoles que hicieran las mismas previsiones.
Ed Catmull se ha defendido mantifestando que tiene la conciencia tranquila y que lo que se hizo estaba orientado a  evitar que las compañías de animación se hicieran daño entre ellas al ofrecer a sus trabajadores significativos aumentos de salario que "alterarían seriamente la estructura de pagos".

Ed Catmull
Esta misma semana, al tiempo que se conocían nuevos detalles del acuerdo anti-competencia que perjudicó a tantos animadores, se ha sabido también que una brecha en la base de datos de Sony Pictures ha permitido conocer los sueldos de nada menos que 6000 de sus empleados, incluyendo a los altos ejecutivos. A partir de estas informaciones se ha sabido que el presidente de Sony Digital Productions, Bob Osher, se llevaba nada más y nada menos que 1.250.000$ al año, como otros diecisiete ejecutivos de Sony que se llevan más de un millón anual, mientras que los trabajadores de base han visto sus sueldos limitados durante años por el mencionado acuerdo entre productoras. Para mas inri, parece ser que una de las políticas de Sony es la de aconsejar a los jóvenes estudiantes y animadores noveles que no comparen sus sueldos con los de sus compañeros de profesión, porque sería "poco profesional y su salario es asunto exclusivamente suyo".
Desde fuera de EEUU no podemos más que contemplar la situación con una mezcla de indignación y al mismo tiempo de envidia: mientras es vergonzoso que las grandes compañías hayan mantenido durante años este tipo de acuerdos, los animadores de EEUU cuentan con convenios sindicales de gran alcance y leyes que aspiran a proteger sus derechos y sus sueldos, mientras que por aquí la ley es la de la selva.

jueves, 4 de diciembre de 2014

Tony Bancroft da el pistoletazo de salida a "Animal Crackers"

En el primer día de la Semana Internacional de la Animación organizada por el Centro de Estudios Barreira Arte+Diseño, Tony Bancroft (Mulan, La Bella y la Bestia, Aladino, El Jorobado de Nôtre Dame) y Jaime Maestro (ganador de dos Goya por "Sr. Trapo" y "El Vendedor de Humo") dieron el pistoletazo de salida a "Animal Crackers", un largometraje animado que va a situar a Valencia en el panorama internacional del 3D.


La película se basa en un comic-book inédito que realizó para sus hijos Scott Christian Sava, ilustrador de series como 'Spiderman' y 'Star Wars' y fundador de Blue Dream Studios en EEUU. Catorce años después de su fundación, y tras haber trabajado para Disney, Paramount, Universal o 20thCentury Fox, en el 2014 se abría una división del estudio en el Parc Tecnològic de Paterna (Valencia), Blue Dream Studios Spain, para emprender la realización de la película. A partir de septiembre pasado se empezó a trabajar en el guión y en los personajes, a la par que se iniciaba el reclutamiento de personal, y hoy algo más de 50 profesionales (el 80% de los cuales valencianos) trabajan ya en el desarrollo del largometraje.
La historia sigue a una familia cuya vida se ve alterada cuando heredan un circo venido a menos y narra lo que ocurre cuando descubren una caja mágica llena de galletas en forma de animalito que convierte a quien se las come en el animal que se acaba de tragar.
Con un presupuesto de 12 millones de dólares, "Animal Crackers" estará codirigida por Tony Bancroft y Jaime Maestro, codo con codo con el salvadoreño Simón Varela y Scott Christian Sava, y producida por Nathalie Martínez. Asimismo cuenta con el talento de Carter Goodrich (diseñador de personajes de "Despicable Me", "Hotel Transylvania" o "Ratatouille") para el diseño de los personajes de la película. Por otra parte se apoyará en las voces de Gilbert Gottfried, Sylvester Stallone, Ian McKellen, Danny DeVito y Patrick Warburton, entre otros.





Con su estreno previsto para febrero de 2016, "Animal Crackers" será el primer trabajo del estudio afincado en Paterna pero habrá más, según Jaime Maestro, porque Scott Sava tiene numerosos proyectos en mente. De hecho, Jaime Maestro, vinculado también a la docencia de Animación 3D y  Jefe del Departamento de Animación de Barreira Arte+Diseño, defiende el enorme talento para la animación que existe en España y su capacidad de que se exporte a todo el mundo, y observa una mejora cualitativa en la formación para el sector que ha de contribuir a crear una industria más fuerte.


miércoles, 3 de diciembre de 2014

Mortadelo y Filemón encuentran su sitio en el cine

Hacía tiempo que Javier Fesser perseguía trasladar al cine al archiconocido dúo de agentes que creara el gran Francisco Ibáñez en 1958, y a tal fin se estrenaba en 2003 "La Gran Aventura de Mortadelo y Filemón" en un largometraje con actores de carne y hueso que albergó resultados bastante satisfactorios, aunque se encontraba con las limitaciones propias de una filmación con imagen real a la hora de trasladar a la pantalla todos los aspectos del tebeo. En 2007 Miguel Bardem lo intentó de nuevo con "Mortadelo y Filemón: Misión Salvar la Tierra", pero no recibió el favor del público ni de la crítica.
A la tercera ocasión, el equipo de Javier Fesser e Ilion Animation han logrado muy exitosamente - de forma perfecta diría - trasladar fielmente las páginas de las aventuras de Mortadelo y Filemón al cine, y lo han conseguido mediante esta superproducción ibérica en 3D que se llama "Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo".


Lo primero que contribuye a esta exitosa traslación del tebeo al cine se ve ya desde las primeras escenas, y es el asombroso parecido de los personajes 3D con los personajes originales del cómic, que bajo la responsabilidad del director creativo Víctor Monigote se ha logrado con maestría y con gran respeto por los personajes de Ibáñez. Por primera vez podemos ver a Ofelia, el Superintendente, el Profesor Bacterio, Mortadelo y Filemón y hasta al Rompetechos con la mismas caras que tienen en papel, pero con dimensiones y moviéndose en un espacio "real". Y por cierto, con un nivel de texturas e iluminación que da gran sensación de realidad: los personajes parecen hechos de carne, se les ven incluso los poros de la nariz, a un nivel que recuerda el conseguido en la película de Tintín de 2011, de Steven Spielberg y Peter Jackson.
Igualmente, los espacios por los que se mueven los personajes son exactamente los espacios que encontramos en los cómics, con sus casas desvencijadas, sus telarañas y bichos, sus calles empedradas, y la multitud de detalles con los que Ibáñez puebla cada viñeta.
De hecho, todos las situaciones que hemos revisitado en multitud de las historietas de Mortadelo y Filemón se hallan fielmente reproducidas en la película: los mamporros para todos, el cambiazo, los disfraces de Mortadelo, los gadgets imposibles..
Pero los grandes logros de la película no se detienen en la exacta plasmación de la estética de los conocidos tebeos, sino que se extienden al acierto de haberla encajado con una tronchante y entretenida historia que Javier Fesser hila fantásticamente mezclando el humor que le caracteriza con el propio de las historias de Ibáñez. En esta historia Fesser aporta personajes de nueva creación muy conseguidos, como son el propio Jimmy el Cachondo, el malvado algo loco que lleva de cabeza a la T.I.A., sus esbirros, los siameses Mari y Trini, y el Tronchamulas, un gigantesco expresidiario que se la tiene jurada a Filemón y que va a ser parte fundamental de la trama. Una trama que va plagada de gags brillantes a cual mejor: a mi recuerdo vienen inevitablemente el sueño de Filemón que abre la película y que encuentra su contrapunto situación por situación en su diferente despertar, mucho más cercano a ese "Me olvidé de vivir" que es uno de los temas principales de la película; o las bromas televisivas con la presencia de Arguiñano, Hurtado o un alter ego de Mercedes Milá conduciendo Gran Fulano; incluso el papelazo del Rompetechos o la intervención de la tía Fulgencia, parienta de Mortadelo.. pero podríamos seguir y seguir sin parar.
Sin disponer de mucho menos de los medios de Hollywood se puede afirmar que con esta película española se ha dado un salto técnico y cualitativo importante, que debe marcar el camino a seguir. La animación de los personajes tiene ritmo y se nota trabajada, gusta cómo se mueven y cómo lo hacen en consonancia con su sentido cómico, plagado de slapstick.
Yo diría que por fin Mortadelo y Filemón han llegado al cine para quedarse, puesto que si no hay una nueva secuela, se quedarán como mínimo seguro en las memorias de los que hayamos visto la película. Aunque seguramente habrá más.. Fesser y su equipo productivo sugirieron que todo dependería del recibimiento y la aceptación que tuviera su largometraje en 3D, y es innegable que han sido muy positivos.


martes, 2 de diciembre de 2014

Desveladas las nominaciones a los Premios Annie

Ayer por la tarde, la International Animated Film Society (ASIFA-Hollywood) dio a conocer las nominaciones a los Premios Annie, en su edición número 42, que reconocen lo mejor del año en el campo de la animación, cubriendo 36 categorías. Salvando las distancias, puesto que los promueven instituciones diferentes, se podrían considerar como unos Oscar especializados en animación, y de hecho las coincidencias son grandes: todos los largometrajes nominados están entre los preseleccionados a los Oscar. Los ganadores se anunciarán en la ceremonia que ha de tener lugar el 31 de enero de 2015.
Por lo que respecta a largometrajes animados, esta es la clasificación de los nominados:

  • Los Boxtrolls, de Focus Features/Laika - 13 nominaciones, entre las cuales Mejor Largometraje Animado, 3 a Mejor Animación, Mejor Dirección y Mejor Guión.
  • Cómo Entrenar a Tu Dragón 2, de Dreamworks Animation - 10 nominaciones, entre las cuales Mejor Largometraje Animado, 3 a Mejor Animación, Mejor Dirección y Mejor Guión.
  • Seis Héroes, de Walt Disney Animation Studios - 7 nominaciones, entre las cuales Mejor Largometraje Animado, Mejor Dirección y Mejor Guión.
  • La Canción del Mar, de GKids/Cartoon Saloon - 7 nominaciones, entre las cuales Mejor Largometraje Animado, Mejor Dirección y Mejor Guión.
  • LEGO La Película, de Warner Bros Pictures - 6 nominaciones, entre las cuales Mejor Largometraje Animado, Mejor Dirección y Mejor Guión.
  • El Libro de la Vida, de Reel FX - 5 nominaciones, entre las cuales Mejor Largometraje Animado y Mejor Dirección.
  • Cheatin', de Bill Plympton - 3 nominaciones, entre las cuales Mejor Largometraje Animado y Mejor Dirección.
  • La Leyenda de la Princesa Kaguya, de GKids/Studio Ghibli - 3 nominaciones, entre las cuales Mejor Largometraje Animado y Mejor Dirección.
  • Mr Peabody and Sherman, de Dreamworks Animation - 4 nominaciones a Mejores Efectos, Mejor Diseño de Personajes, Música y Diseño de Producción.
  • Rio 2, de Blue Sky Studios - 4 nominaciones a Mejor Diseño de Personajes, Storyboard e Interpretación.
  • Pingüinos de Madagascar, de Dreamworks Animation - 3 nominaciones a Mejores Efectos, Mejor Animación y Mejor Diseño de Personajes.
  • Aviones: Fuego y Rescate, de Disneytoon Studios - 2 nominaciones a Storyboard y Editorial.
Por lo que respecta a los cortometrajes, están nominados los siguientes:
  • Coda* 
de 62 George Street
  • Duet* 
de Glen Keane Productions
  • Feast
* de Walt Disney Animation Studios
  • Inside Homer - The Simpsons Couch Gag (Episode #549)  de Acme Filmworks 
  • Me and My Moulton* de National Film Board of Canada
  • Silent de Creative Artists Agency
  • The Dam Keeper* de Tonko House LLC
  • The Raven de Moonbot Studios
(En * los preseleccionados a los Oscar a Mejor Cortometraje)
Como mejores series infantiles de TV se cuentan:
  • Tiempo de Aventuras
 de Cartoon Network
  • Gravity Falls de 
Disney Television Animation>
  • La Leyenda de Korra de Nickelodeon Animation Studio
  • Over The Garden Wall
 de Cartoon Network
  • Wander Over Yonder 
de Disney Television Animation
Como mejores series de TV están nominadas:
  • Archer
 de FX Networks
  • Back To Backspace de Cartoon Network Studios
  • Bob's Burgers
 de Bento Box Entertainment
  • Rick and Morty 
de Starburns Industries, Inc.
  • Mike Tyson Mysteries 
de Warner Bros. Animation
  • Regular Show 
de Cartoon Network Studios
  • Los Simpsons
 de The Simpsons
Entre los mejores Especiales de Animación destacamos Toy Story That Time Forgot, de Pixar Animation Studios, que también cuenta con tres nominaciones en la categoría de Mejor Animación y una de Storyboard y otra de Guión en Producciones para Televisión.

Por otra parte también se va a reconocer la carrera de destacadas personalidades en el mundo de la animación mediante la entrega de tres Premios Honoríficos Winsor McCay a los animadores Didier Brunner, Don Lusk y Lee Mendelson.

Podéis encontrar la relación de todas las nominaciones aquí.

domingo, 30 de noviembre de 2014

Los Pingüinos de Madagascar

En las pantallas de cine, los pingüinos de Madagascar habían sido hasta ahora un cuarteto de secundarios que aportaban notas de humor y de astucia a las aventuras de los protagonistas de las películas, el león Alex, junto con Marty, la cebra, Melman, la jirafa y Gloria, la hipopótamo. Que tenían potencial para ser ellos los protagonistas lo demostraron cuando se hicieron con una serie de televisión, pero es ahora cuando se lanzan a la gran pantalla como protagonistas absolutos.
La historia de "Los Pingüinos de Madagascar" nos traslada brevemente al momento en que se forma el cuarteto de pingüinos y de ahí da un salto al momento en que los había dejado el final de "Madagascar 3", donde deciden dejar el circo para iniciar su propia aventura, consistente en infiltrarse en Fort Knox para hacerse, no con sus lingotes de oro, sino con una bolsa de ganchitos de la máquina expendedora de la fortificación para celebrar el cumpleaños del benjamín del grupo: Soldado. En esas circunstancias caen presa de los tentáculos de Dave, el malo de la película, que no es otro que un pulpo que odia a los pingüinos desde el momento en que perdió su protagonismo por la llegada del cuarteto al zoo de Central Park; a partir de entonces se hizo con los recursos para urdir su venganza, consistente en hacerse con los pingüinos de todos los zoos del planeta para convertirlos en monstruos con un llamado "Suero Medusa" y borrar de un plumazo esa imagen de "animalitos cucos" que la humanidad tiene de ellos. Los planes de Dave llaman también la atención de un grupo de espías altamente tecnificado que se hace llamar "Viento Norte" y que entrará en cierto conflicto con los pingüinos a la hora de parar los pies, o mejor dicho, los tentáculos a Dave y su grupo de cefalópodos.
El desarrollo de la película, que a nivel técnico y de animación mantiene las altas cotas de Dreamworks, se produce a un ritmo frenético, donde no hay pausa en escenas de acción y continuos gags, la mayoría de los cuales son verdaderamente acertados; a destacar, por ejemplo, la escena en que se hacen invisibles alternando su color en un paso de peatones cuando llevan a cabo su infiltraje en Fort Knox, o el recurso a un grillo cuando se entra en un momento de silencio incómodo. En esta sucesión de imparables momentos, sin duda las mejores secuencias son las que se sitúan en la infancia y la formación del grupo, punto en el que se traza ya la moraleja de la película al perfilar a los pingüinos como un grupo que se resiste a someterse al seguidismo de su especie y que aspira a cuestionarse las cosas y tener su propia personalidad; así como el asalto a Fort Knox y la huida en góndola por los canales y las calles de Venecia. Es a partir del encuentro con el grupo de espías de "Viento Norte" que la película adquiere cierto punto de banalidad y muestra su punto más flojo: siendo los pingüinos bastante capaces de aguantar la película por ellos mismos, se les hace coincidir con un grupo de espías cuyas personalidades no se desarrollan mínimamente (a salvo quizás de algunas pinceladas respecto al líder del grupo, el lobo Secreto) y que no aportan a la película un papel determinante.
La película se hubiera podido desarrollar perfectamente sin la concurrencia de los miembros de Viento Norte y habría transcurrido prácticamente por los mismos derroteros, puesto que al fin y al cabo es una historia de reconocimiento del valor de héroe que el benjamín del grupo de pingüinos, Soldado (que hasta entonces sólo había sido contemplado como una especie de hijo y chico de los recados), sabe reclamar finalmente. Sólo que sin tener que perder metraje en unos personajes, los de Viento Norte, que ni se desarrollan ni resuelven, se habría podido centrar más la historia en la superación de un problema de frustración personal que, siendo el de Soldado, es también el del malvado pulpo Dave, que al compartir papel con el grupo de espías tampoco ve muy desarrolladas sus motivaciones y personalidad.
La película es pues un divertido entretenimiento que agradará sobre todo a los niños, que por otra parte no se cuestionarán que se pueda hacer un agujero en un avión sin que se despresurice o que la solución para revertir las mutaciones de los pingüinos se base fundamentalmente en lo cuco que es uno de ellos; pero para los adultos pasará seguramente al olvido una vez digeridos los chistes, los cuales, cuando se dirigen sobre todo a ellos, denotan casi siempre cierta ambigüedad sexual.


miércoles, 26 de noviembre de 2014

"Shirobako": un anime sobre... anime

Todos sabemos que en Japón son capaces de adaptar cualquier tema como serie de anime, desde deportes hasta gastronomía pasando por el "hentai" o porno, pero ahora han vuelto a rizar el rizo con una serie de anime... que trata justamente del oficio de animador: "Shirobako". La trama se centra en un grupo de estudiantes de insitituto amantes del anime que logran el sueño de su vida: encontrar empleo en un estudio de animación profesional. Basada en un manga de Kenji Sugihara, la serie de "Shirobako", producida por P.A. Works se estrenó en la cadena Tokio MX este pasado 9 de octubre. Esperemos que no tarde en llegar por aquí... mientras, os dejamos con la cabecera para ir haciendo boca.

martes, 25 de noviembre de 2014

Lo que prepara Dreamworks

Tras el éxito conseguido con "How to Train Your Dragon 2", que ha sido la película de animación con mayor recaudación internacional del año y está muy bien situada en la lista las que tienen más opciones a llevarse un Oscar, y con "Pingüinos de Madagascar" a puntito de estrenarse, Dreamworks animation tiene bastantes proyectos para el año en ciernes. En las líneas que siguen os haremos una reseña de lo que viene.
En primer lugar, para finales de marzo del 2015 se tiene previsto el estreno de "Home", que girará en torno a la invasión de nuestro planeta por parte de una civilización de criaturas extraterrestres llamadas Boov en busca de un planeta habitable. Dirigida por Tim Johnson (Hormigaz, Vecinos Invasores), se basa en un libro de Adam Rex titulado "El Verdadero Significado de Smekday", donde los invasores cambian el nombre a la Navidad; gustó tanto a Johnson que estuvo machacando a Jeffrey Katzenberg sobre la necesidad de adaptarlo en una película.


Profundizando en la historia, los Boov utilizan herramientas avanzadas de gravedad para hacerse pacíficamente con la Tierra y reubicar a todos los humanos en pequeños hogares en Australia; pero se olvidan a una jovencita llamada Gratuity que responde al apodo de 'Tip' (a quien pone voz Rihanna), que logra quedarse en su ciudad, aunque su objetivo es volver a reunirse con su madre. Por otra parte, un despistado Boov llamado 'Oh' dará a conocer el nuevo paradero de la especie a toda la galaxia, convirtiéndolos en objetivos. El encuentro entre Tip y Oh propiciará que junten fuerzas e inicien un viaje para tratar de arreglar sus respectivos problemas.
Por lo que se ha podido ver hasta ahora en los trailers, la película promete una historia emotiva a ritmo de comedia en que la acción transcurre sin parar. Por otra parte, se observan mejoras en cuanto a la suavidad de los rostros y la expresividad facial, y cotas de animación orgánica superiores incluso a las de HTYD 2.


Otra de las películas en preparación es "B.O.O.", cuyas siglas responden a Bureau of Otherworldly Operations, algo así como Agencia de Operaciones Sobrenaturales. El estreno estaría previsto para junio del año que viene, aunque se rumorea que Jeff Katzenberg - descontento con algún aspecto del largometraje o tratando de evitar la coincidencia con "Inside Out" de Pixar - estaría valorando posponerlo hasta otoño o el 2016. La película parte de una idea original de Tony Leondis (Lilo&Stitch 2, Kung Fu Panda: Secrets of the Masters) y está escrita por Tom Wheeler (El Gato con Botas), compartiendo ambos la dirección del largometraje, que contará con la interpretación del cazafantasmas Bill Murray en el papel del malo.
La historia girará en principio en torno a una agencia ultrasecreta del gobierno que emplea a fantasmas para proteger a los humanos frente a fuerzas espirituales maléficas. Allí coincidirán dos nuevos agentes, Jackson Moss y Watts, que deberán hacer frente a los planes del mayor enemigo de la agencia, Addison Drake, para acabar con la misma y atacar a los humanos.


Finalmente, para diciembre del año próximo está previsto el estreno de "Kung Fu Panda 3", dirigida por la misma directora de las versiones anteriores de la franquicia, Jennifer Yuh Nelson, y con Guillermo del Toro en la producción ejecutiva; del Toro ha prometido que Po se va a encontrar esta vez con un villano temible.
Una particularidad de esta nueva entrega (que es la tercera de las seis que habrá según Jeff Katzenberg) es que ha sido co-producida con una productora que surgió como una asociación entre Dreamworks y empresas chinas, el estudio Oriental Dreamworks, con sede en Shanghai. Será la primera vez que una película americana se hace en co-producción con empresas chinas, con lo que se abre ampliamente el mercado chino a la película, pero los guionistas ya tienen que estar lidiando con las autoridades del país para evitar en lo posible todas las censuras del régimen.
Lo que se conoce hasta ahora es que Po y los Cinco Furiosos (Tigresa, Mantis, Víbora, Grulla y Mono) deberán hacer frente en esta entrega a dos amenazas distintas, una de tipo sobrenatural y otra más doméstica.

Por otra parte, se ha sabido en las últimas dos semanas que Dreamworks había estado manteniendo conversaciones con Hasbro para unir fuerzas mediante una fusión, pero finalmente las conversaciones se suspendieron sin llegar a ningún acuerdo. Según las malas lenguas, Disney habría presionado a Hasbro para hacerle desistir de la idea, amenazando con retirar las licencias para juguetes y merchandising que Disney tiene cedidas a Hasbro (incluyendo Marvel, Star Wars, Frozen y otras películas), y que generan un tercio de su negocio.

O Menino e o Mundo

Por fin tuve oportunidad este sábado pasado, en el marco de la séptima edición de El Meu Primer Festival, que está orientado a introducir al público infantil en el disfrute del cine de animación independiente, de ver la que fue la gran ganadora de los premios de Annecy de este año, la portuguesa "O Menino e o Mundo" (El Niño y el Mundo). Además pude visionarla contando con la presencia en la sala de su director, Alê Abreu, que tuvo la deferencia de hablarnos sobre su película.
Para el director, "O Menino e o Mundo" es su segundo largometraje, después de haber debutado con "Garoto Cosmico" siete años antes, que a su vez seguía a la realización de cortos celebrados como "Passo" y "Espantalho". Tras pasar exitosamente por varios festivales como el de Ottawa y el de Shanghai, "O Menino e o Mundo" recaló en Annecy, donde se llevó el Premio Cristal al Mejor Largometraje de Animación, certificando "la gran vitalidad de la animación brasileña" (recordemos que también el año pasado fue un film brasileño, "Rio 2096: Uma História de Amor e Fúria" de Luiz Bolognesi, el que se llevó el premio del certamen).


La historia tras "El Niño y el Mundo" es la de muchas familias en Brasil, y por extensión en el mundo, cuyos padres se ven obligados a abandonar el campo o sus favelas para ir a ganarse la vida en la ciudad, dejando atrás a su familia y sometiéndose a muchas de las tiranías que la vida en la ciudad conlleva. Frente a esas tiranías, como son la ceguera del cemento, las injusticias laborales, el militarismo tras el orden preestablecido, y la agresividad medioambiental de las máquinas, Alê Abreu, contrapone la creatividad, la música, la libertad y sobre todo la inocencia y el juego, que son los que acompañan al niño protagonista del largometraje. Ese niño es Cuca, un pequeño que vive feliz y despreocupado en una idílica zona rural de Brasil hasta que su padre tiene que dejarlos para buscar trabajo en la ciudad, momento tras el cual el niño decide ir en su busca, embarcándose en un viaje y en una aventura apasionante, cuyos recuerdos son la guía de la historia y propiciarán encuentros entre su yo-niño y su yo-adolescente y su yo-anciano, pues la pérdida de su padre es también la suya propia. Los recuerdos, al cabo, son los que dan sentido a la historia, y dan luz a cierta sensación de confusión presente en buena parte del metraje, en un poético y esclarecedor final.
Y es que según su director, la película no surge de un guión, sino de pequeñas secuencias que fue desarrollando y ligando entre sí tras haber sentido la llamada de un esbozo suyo, que se encontró cuando estaba trabajando en un documental animado sobre los 500 años de historia de América Latina. Ese esbozo era el del pequeño niño protagonista de la película, que despertó en Abreu, según sus palabras, el deseo de conocer más sobre él e iniciar una labor de detective para explicar cuál era su pasado, qué historias tenía por delante y cómo era su relación con el mundo.
Esas pequeñas secuencias son presentadas sin parecerlo como recuerdos, y como todo recuerdo, surgen primero de una mente en blanco, como blancas son las primeras secuencias de la película, en cuanto a parquedad de detalles, y progresivamente se van llenando de color e infinita riqueza descriptiva. Y es aquí donde se revela uno -que no el único - de los mayores logros de la película, al poblar las escenas con magníficos dibujos de una calidad artística innegable. Tras los trazos a lápiz algo infantiles con los que partimos de la selva, se nos presentan nuevos estilos visuales, más sólidos y aclaparadores en cuanto llegamos a la ciudad, y en las escenas finales, hasta se incorporan imágenes reales para presentarnos la destrucción del sueño. En su realización, las técnicas utilizadas son múltiples y variadas (lápiz de color, acuarela, Guasch, collage, 3D..), como también las referencias (Miró, Braque, Kandinsky..), dando lugar a un resultado vigorosamente atractivo por lo que tiene de cuidado y artesanal, tan lejos de lo que nos suelen servir las majors.


En una película donde prácticamente no hay palabras (las únicas conversaciones que hay, muy pocas, se realizan mediante una pronunciación invertida del portugués), la música desarrolla un papel determinante. Como en el aspecto visual, también la música progresa con la película desde las simples notas de una flauta hasta los festivos y estridentes sonidos del Carnaval. Bajo la dirección de Gustavo Kurlat y Ruben Feffer, la película fluye perfectamente sincronizada con las interpretaciones de percusionistas como Nana Vasconselos o Barbatuques, GEM y el rapero Emicida, que aportan las canciones protesta que están en el orígen del largometraje. De hecho, fue la música de Vasconselos la que inspiró una de las escenas más simbólicas del filme, la de la batalla en pleno vuelo entre un ave multicolor que representa la libertad y los deseos y una rapaz negra de tintes nazis que simboliza la represión.
Del mismo modo, la ausencia de palabras aumenta la importancia de la animación, que se desarrolla brillantemente, sin límites. A pesar del aspecto simple de los personajes, con miembros de alambre y rostros sencillos, Abreu y su equipo de animadores les han dado la riqueza de movimientos y la expresividad necesarias para dar a la animación toda la fuerza que se merece. También el mundo en que se mueven está ricamente animado, e incluso podemos maravillarnos con bellas animaciones abstractas que abren y cierran la película y las visiones kaleidoscópicas con que se entretiene Cuca.
Bajo la apariencia de una película para niños descubrimos en "O Menino e o Mundo" una gran película que es también, y principalmente, para mayores. La mirada infantil a través de los ojos de Cuca no es más que un prisma para presentar con sencillez a un ritmo agradable, nada frenético, la complejidad del mundo, en que se enfrentan la tranquilidad del campo con la alienación de la gran ciudad, y para denunciar una economía en que prima la rentabilidad sobre el hombre y sobre la naturaleza. Tras su vestido colorista y musical, la película acaba dejando un regusto melancólico y triste que suscita la reflexión.


domingo, 23 de noviembre de 2014

Cinco visiones animadas de L'Alternativa

Entre los días 17 y 23 de este mes, hemos podido ver en L'Alternativa, el Festival de Cine Independiente de Barcelona, que ha celebrado su 21ª edición, multiplicidad de cortometrajes de animación que han estado distribuidos por la mayor parte de sus secciones. En la sección competitiva, los cortometrajes animados se han proyectado junto a otros proyectos de imagen real, sumando un total de cinco cortos animados de los que hemos podido disfrutar.


"Symphony no.42", de Réka Bucsi

Réka Bucsi es una animadora húngara nacida en Alemania que se graduó el año pasado en la Universidad de Arte y Diseño Moholy-Nagi de Budapest, y como proyecto de graduación realizó este cortometraje que, tras recibir multitud de premios en varios festivales, empezando por la Espiga de Oro de la Berlinale, ha terminado siendo preseleccionado en su categoría para la carrera hacia los Oscar.
En su blog puede encontrarse una surrealista ilustración de denuncia en que una mano humana deposita o extrae de un vaso unas ballenas muertas a las que se les sorbe la sangre con una pajita, y un mensaje que dice "Stop Whaling you Suckers", aprovechando el doble sentido de la palabra 'sucker' (alguien que sorbe - paleto) para reclamar el fin de la caza de ballenas.

copyright Réka Bucsi

Muchos de los dibujos de Reka tienen este tono surrealista y/o metafórico, y pareciera que en "Symphony no.42" la animadora ha reunido varios de los dibujos e ideas y notas que tenía hasta el momento, además de crear otras situaciones nuevas, para darles vida en un corto animado, sin ninguna relación entre las escenas más que la interacción que se establece entre animales y humanos y el nexo de unión entre una escena y otra que se establece mediante colores, sonidos o algún elemento de la animación. Entre estas escenas, surrealistas la mayoría de ellas y desarrollándose en un mundo parecido al nuestro donde animales con aspecto y/o actitudes antropomórficas cohabitan con los humanos, vemos de nuevo a las ballenas, que esta vez son de nuevo arrancadas del océano y aspiradas por el rayo atractor de un platillo volante; o un zorro, que abre el cortometraje, suicidándose ante el dibujo que acaba de crear, en que Dios es el núcleo de la estructura atómica; un elefante encerrado en un reducto zoológico es objeto de admiración por parte de los visitantes mientras pinta un mensaje de ayuda; una mujer en bikini siega el bosque con un cortacésped sin advertir a un pobre delfín que se está quedando sin aire fuera del agua.. y así hasta sumar 47 escenas desiguales en que los animales no son necesariamente la víctima (un gato crece enroscándose en torno a su dueña hasta prácticamente ahogarla, una mujer y una foca yacen amorosamente abrazados, un hipopótamo es la desasosegante pesadilla de un interno psiquiátrico..) y que a menudo se desarrollan en un lugar común, un bosque que ha dejado de representar un refugio para sus habitantes.
La autora presenta las escenas de manera neutral y rehúye atribuir a su corto un mensaje ético o emitir juicio alguno, dejando que sea la mirada subjetiva de cada persona del público la que atribuya un sentido a escenas en apariencia irracionales. De hecho, según confiesa Réka en varias entrevistas, a ella le atrae la idea de que, ante una situación nueva, los humanos tendemos subconscientemente a tratar de darle un contexto, que viene predeterminado por lo que conocemos y pensamos, de modo que esa situación desconocida puede dar lugar a infinidad de interpretaciones. Ello no impide que la cinta transpire un sentido crítico hacia la sociedad y la modernidad, que se vehicula mediante escenas surrealistas presentadas con ligereza y buen humor.
De esta manera, el cortometraje es una sucesión de escenas que podrían presentarse independientemente y que no conducen a ningún final, aunque la animadora ha querido formar con ellas un conjunto en el que la argamasa que las une son las asociaciones visuales, auditivas o sensoriales entre una escena y otra.De ese entrelazado surge la sinfonía que da título al cortometraje, y dónde el número 42 no tiene más importancia que el de ser un número místico, que señala la inclinación del arco iris, o un número central en matemáticas, según confiesa la autora, y que ha sido elegido para poner un número a esa sinfonía.
En cuanto al apartado visual, Réka nos sirve unas escenas de trazo sencillo en que los personajes y animales se presentan con la intención de asemejarlos a la realidad, en un estilo alejado del cartoon. Las paletas de colores dan un resultado atractivo y acorde con cada escena, y transmiten sensibilidad. Mientras que la animación se desarrolla de forma fluida, y principalmente centrada en los personajes que actúan en la escena.


"My Dad", de Marcus Armitage

Marcus Armitage es un animador y realizador británico, surgido del Royal College of Art, para quien también este cortometraje es su proyecto de graduación. Con "My Dad" obtuvo el premio a la Mejor Película Británica en el Festival Internacional de Animación de Londres.
Subtitulado "Opiniones heredadas - Aislamiento heredado", el cortometraje nos cuenta con la aproximación de un documental y con la voz en primera persona de un niño, la enfermiza influencia que su padre ejerce sobre él, inculcándole sus ideas xenófobas y determinando fatalmente su futuro, en un mundo en que el único rostro reconocible para el niño es el de su padre y el de su amigo, aparte de los rostros de aquellos a quienes cree que debe odiar.
Con esta historia el autor quiso retratar y denunciar los prejuicios que veía en la gente, o que incluso veía impresos en los periódicos, cuando se mudó a Londres, y aplicó un enfoque documental para hacer patente que estaba reflejando una situación muy real, aunque fuera una historia de ficción.
Uno de los puntos fuertes del cortometraje son sus dibujos vibrantes y directos, que Armitage animó en primer lugar sobre planos en blanco y negro a los que después aplicó el color utilizando pasteles al óleo, en un esfuerzo artístico considerable aplicado plano a plano sobre la mesa de luz. Sus escenas gráficamente poderosas aciertan al mostrarnos a un niño aislado en un mundo bullicioso y lleno de gente, pero en el que esta gente son sólo líneas irreconocibles, mientras que las únicas personas con cara y colores son el niño y su padre principalmente, junto al único amigo que tiene y aquellos contra los que va formando prejuicios.
La fuerza expresada en los dibujos los convierte finalmente en un ente físico, en que el papel es dramáticamente rasgado en una secuencia de animación cut-out que desemboca en el amargo final.


"The Obvious Child", de Stephen Irwin

Irwin, responsable de animaciones como "The Black Dog's Progress" y "Moxie", nos sirve en "The Obvious Child" un cuento macabro y enfermizo en que un conejo cae perdidamente enamorado de una niña terrible y violenta cuyos padres han sido salvajemente descuartizados. En un escenario distópico en que la historia se proyecta a través de un ojo que lo observa todo, la niña trata sin éxito de lograr que los espíritus de sus padres asciendan hacia la ansiada salvación a la que tienen derecho todas las criaturas de este enfermizo mundo, pero que es sistemáticamente negada sin ninguna explicación a los progenitores de la pequeña adicta a la nicotina. Tan solo el sacrificio redentor del conejillo, en un puro acto de amor, puede ofrecer una salida al entuerto.
En una nueva demostración de que la animación no tiene por qué ser algo majo que agrade a los niños, Stephen Irwin nos ofrece una mirada irónica y burlona, en ocasiones irreverente, sobre el amor y la redención, mediante una paleta de colores kitsch y saturados aplicados a unos personajes muy de cartoon aunque deformados.
Lo que menos luce en este cortometraje animado es precisamente la animación. Acaso un puñetazo por aquí, unos movimientos repetitivos de cadera por allá, y unos limitadísimos desplazamientos son lo más complejo que puede verse en la cinta.



"Man on the Chair", de Dahee Jeong

Dahee Jeong, animadora coreana formada en la Escuela Nacional Superior de las Artes Decorativas de París, nos presenta en su corto - ganador de varios premios, entre los cuales el Cristal de Annecy - a un hombre algo obeso que, hundido literalmente en sus pensamientos sobre su existencia, no puede levantarse de la silla sobre la que está sentado; ¿quién le ha creado? ¿de dónde venimos? ¿existimos realmente o somos sólo un producto de la imaginación?.. ¿acaso no puede levantarse porque le han dibujado así?
Desarrollada mediante unas imágenes finamente ilustradas, la animación fluye suavemente y sin pausa dando lugar a elegantes cambios de perspectiva, rotaciones de la escena y metamorfosis que se entrelazan poéticamente, reflejando realidades que se desdoblan y donde el protagonista se contempla a sí mismo. Y dónde la mismísima autora entra a formar parte de esa realidad, al aparecer dibujando sobre un papel que se dice fabricado a partir de la madera de la silla donde se sentaba el protagonista.
La realización del corto combina técnicas de animación 2D y 3D a partir de ilustraciones ejecutadas  a lápiz y con pinturas, que le dan al corto ese tono relajado y pastel que domina todo el metraje.


"Through the Hawthorn", de Anna Benner, Pia Borg y Gemma Burditt

A través de la visión de tres directoras, "Through the Hawthorn" nos narra, a veces en forma de tríptico, otras mediante una sola viñeta, el transcurso de una sesión en que intervienen el psiquiatra, su paciente esquizofrénico, que no acepta su enfermedad, y su angustiada madre, cuyo último susto ha sido encontrárselo desnudo en plena noche en las aguas de un gélido lago.
Cada una de las directoras ha dispuesto de su propia viñeta para aportar su visión de la misma acción desde su propia expresividad, dando lugar a visiones y recursos visuales distintos. Aunque finalmente todas las visiones utilizan la rotoscopia, la visión de cada una de las directoras está netamente diferenciada.
Anna Benner se encargó del panel de la izquierda, centrado en Sam, el enfermo, mientras que Pia Borg retrata al psiquiatra en el panel central y Gemma Burditt enfoca a la madre en el tercero. Mediante técnicas que van desde la pintura sobre cristal al dibujo lineal, el trío de directoras consigue narrar una sola historia con tres perspectivas muy personales, identificándose a su vez con la visión de cada uno de los tres personajes que intervienen en el corto y contemplan la situación desde su única perspectiva.


martes, 18 de noviembre de 2014

En Pixar andan muy ocupados

Hace pocos días Disney anunciaba que Pixar trabaja en una nueva entrega de la saga "Toy Story" que estaría dirigida por John Lasseter. En concreto está previsto que "Toy Story 4" se estrene el 16 de junio de 2017, con lo que se abre de nuevo el círculo que parecía cerrado con la tercera entrega de largometrajes, aunque lo cierto es que Pixar no había abandonado a los juguetes de la saga y continuaba realizando series animadas y cortometrajes como "Hawaïan Vacation", "Small Fry" y "Partysaurus Rex", así como el último especial para televisión que se estrenará en Navidad: "Toy Story That Time Forgot".
Sea como sea el caso es que muchos aficionados se han llevado las manos a la cabeza, temiendo que la cuarta entrega se lleve por delante el buen sabor de boca que dejó la, hasta ahora, trilogía. Lo cierto, sin embargo, es que al frente de la película va a haber un equipazo, con lo que es dudoso que el resultado no vaya  a ser plenamente satisfactorio: a la mencionada presencia en la dirección de John Lasseter, que ha afirmado que quieren tanto a los personajes de Toy Story que no van a hacer nada que no esté a la misma altura o mayor de lo que se ha hecho ya con ellos, se suma el apoyo de Andrew Stanton (Wall-E, Buscando a Nemo), Pete Docter (Los Increíbles) y Lee Unkrich (Toy Story 3), mientras que Rashida Jones y Will McCormack (Celeste, Jesse Forever) estarán en el equipo de guionistas. Aunque todavía no se ha desvelado nada sobre el argumento, se presume que la pelicula partirá de la nueva vida de los juguetes con Bonnie, la niña que los recibió de manos de Andy al final de la tercera entrega.
Al mismo tiempo, los aficionados estamos conociendo poco a poco nuevos detalles de la película "Inside Out", que tiene previsto su estreno en junio del año que viene. Este próximo estreno está basado en una idea de Pete Docter, que dirige la película junto a Ronnie del Carmen (Up, Dug's Special Mission), y cuenta una historia que transcurre en la cabeza de una jovencita, donde las emociones (Ira, Miedo, Asco, Tristeza y Alegría) pugnan por hacerse con el timón de su vida en un momento en que esta se ve alterada por un traslado familiar a San Francisco. Según Docter, se trata de ver simultáneamente lo que le está pasando a la chica y lo que está pasando en el interior de su cabeza.


Esta semana han empezado a circular posters de los personajes, donde conocemos a las emociones en cuestión, que en lugar de ser siempre cuerpos sólidos y con piel, son pura energía, partículas que se mueven. He aquí Tristeza, Alegría, Miedo, Asco e Ira:






Y aquí el trailer:


El cortometraje que ha preparado Pixar para acompañar a "Inside Out" en su estreno es "Lava", un musical romántico en torno a un volcán en busca del amor y cuya historia se dilata durante millones de años, dirigido por James Ford Murphy, que fue quien escribió la canción que inspira el corto.


Asimismo, tras varios cambios de fecha y de director (que han provocado que no haya habido película de Pixar este año) para noviembre del 2015 se prepara el estreno de "The Good Dinosaur", que estará dirigido por Peter Sohn, tras apartar del proyecto a Bob Peterson, el director de "Up" (de Peterson a Peter Sohn pues ;) ), como ya dimos a conocer en un artículo anterior. Brevemente, si no hay demasiados cambios sobre la idea inicial, la historia partiría de qué habría ocurrido si el satélite que acabó con los dinosaurios no hubiera colisionado con la Tierra y contemplaría la coexistencia de los grandes saurios y los humanos; en tal situación originalmente el guión discurría en torno al joven apatosaurio Arlo, que partía en busca de una solución para devolver la paz a su comunidad con la ayuda del niño humano Spot. Sin embargo, en palabras del actor John Lightgow, el guión ha sido totalmente reimaginado y ha dado lugar a otra fantástica historia que va a ser mejor.


El cambio de fecha de "The Good Dinosaur" afectó de rebote a la esperada secuela de "Buscando a Nemo", que ve trasladado su estreno a junio del 2016. "Buscando a Dory", que así se llamará la película, tendrá en cabeza al mismo director de su antecesora, Andrew Stanton, que compartirá esa responsabilidad con Angus Mac Lane (Burn-E, Small Fry, Toy Story of Terror). No se conoce mucho del argumento salvo que reunirá a los conocidos personajes de la primera película, Marlin, Nemo, Dory y la banda del acuario, y que es posible que plantee el reencuentro de Dory con su familia, después de haberla encontrado vagando sola por el océano en "Buscando a Nemo" en el momento en que conoció a Marlin. En todo caso será una película emotiva y divertida que coincidirá en su estreno con el 30º aniversario de Pixar.


Y tras todo lo anterior, seguirán "Cars 3", "Los Increíbles 2".. sin fecha de estreno aún.