lunes, 23 de octubre de 2017

El anime del Salón del Manga de Barcelona

El Salón del Manga de Barcelona será una gran ocasión, una vez más, para asistir a la proyección de interesantes propuestas de anime, algunas de las cuales no se han estrenado todavía comercialmente en España. En el auditorio del Palacio de Congresos (Palacio 5) tendrán lugar las proyecciones de largometrajes japoneses, encuentros de destacados autores con sus fans y otros espectáculos, que serán posibles gracias a la colaboración de Crunchyroll, Selecta Visión y Yowu Entertainment. Aparte de una sesión especial de anime de robots centrada en la franquicia Mobile Suit Gundam y otro especial en torno a "Monster Musume", el miércoles 1 de noviembre empezará fuerte con la proyección de las películas "Your Name" (2016), de Makoto Shinkai, y "A Silent Voice" (2016) de Naoko Yamada. La primera consituye el gran éxito del año pasado, que se convirtió en la cuarta película con más recaudación de la historia de Japón y la cuarta película de habla no inglesa con mayor recaudación del mundo, superando los 355 millones de dólares. Y la segunda, todavía no estrenada en cines, está llamada a ser la sucesora de la anterior en cuanto a éxito y por el tipo de película, emotiva al extremo; se trata de un drama de adolescentes que adapta el manga de Yoshitoki Oima, donde Shoko, una chica sorda que de niña sufrió bullying en su escuela, se encuentra con que Shoya, uno de los chicos que más se metió con ella, vuelve en su busca años después arrepentido por lo que hizo y dispuesto a pedirle disculpas.



El Salón celebrará los 100 años de animación japonesa, un evento que se expresará no sólo a través de la exposición que se les dedicará especialmente, sino también a través de las proyecciones en el auditorio. El jueves 2 de noviembre será ocasión, en este sentido, para un repaso de openings y endings de la animación japonesa y para la proyección de la película "Perfect Blue" (1997) del gran Satoshi Kon, que contará con la presencia de Masao Maruyama, fundador del estudio MAPPA. El mismo jueves ofrecerá una mirada a diversas series de anime distribuidas por Selecta Visión (18IF, Drifters, Assassination Class Room, Jojo's Bizarre Adventure: Phantom Blood, Sagrada Reset) y Yowu Entertainment (Adivina como puedas, Divina Juventud, El mágico libro de Zero, Clockwork Planet, Fukumenkei Noise), así como un especial anime de robots centrado esta vez en Patlabor y un debate en torno al mundo de Slayers.
La celebración de los 100 años de animación japonesa continuará el viernes 3 de noviembre con la proyección de "La Tumba de las Luciérnagas" (1988) de Isao Takahata. Asimismo habrá lugar para un avance de "Yokai Watch: La Película" , que se estrenará en salas el 10 de noviembre llevando a los fans de la serie a un viaje temporal en el que descubrirán el origen del reloj Yokai. Junto con el avance se proyectará la película "Gatos. Un Viaje de Vuelta a Casa" (2016), que adapta la historia de gatos callejeros más famosa de Japón, contada a través de la serie de novelas cortas "Rudolf to Ippaiattena" ("Rudolf y Tengounmontón") de Hiroshi Saito. Igualmente, tras un especial robots centrado en Evangelion, se proyectará la película "En Este Rincón del Mundo" (2016) de Sunao Katabuchi, basada en la obra original de Fumiyo Kouno, y que cuenta la historia de Suzu, una muchacha que trata de encontrar la felicidad en los tiempos convulsos de la Segunda Guerra Mundial.



El sábado se reserva un especial dedicado a Mazinger que contará con la presencia de Alfredo Garrido, el cantante del tema principal de la mítica serie "Mazinger Z", que influyó sobre toda una generación desde que se emitió su primer capítulo, un lejano 4 de marzo de 1978, a través del primer canal de TVE. El cantante y letrista bilbaíno Alfredo Garrido García es autor de las letras de las canciones de la serie infantil "Marco" y adaptó e interpretó las canciones de multitud de series infantiles como "Mazinger Z", "Tarzán", "Vickie el Vikingo", "El pequeño Cid", "Pippi Calzaslargas", "La abeja Maya", así como en algunos títulos de Walt Disney. Recibió varios premios en su trayectoria musical, entre los cuales el Premio Caballero Armado como cantante de los temas de apertura y cierre de la serie "Mazinger Z", y en 2016 se metió en un estudio para grabar, a sus 83 años, la letra inédita del tema La Gran Batalla de la serie "Mazinger Z". Desde 2014, acompaña con su presencia, la exposición de Mazinger Z, que ha recorrido las ciudades de Madrid, Murcia, Cádiz, Bilbao y actualmente Barcelona, donde acudirá acompañado de Carlos D. Chardí, cantante y estudioso del fenómeno Mazinger Z en España, que colaboró directamente con Selecta Visión para conseguir los permisos para que se incluyeran los audios en español de RTVE en la edición de DVD y Blu-ray de "Mazinger Z", y actualmente es el mayor conocedor de la historia de la estatua de Mazinger Z oficial que existe en Tarragona, la más antigua y grande del mundo.
Igualmente el sábado será el día del gran estreno de la película de imagen real "Jojo’s Bizarre Adventure: Diamond is unbreakable" (2017) de Takashi Miike, que cuenta con la peculiaridad de que algunas de sus escenas se han rodado en la localidad barcelonesa de Sitges. Y dentro de la celebración de los 100 años de anime se proyectará "Mi Vecino Totoro" (1988) de Hayao Miyazaki.


Por último, el domingo 5 de noviembre estará de nuevo dedicado en gran parte a series japonesas, empezando por avances, fragmentos y episodios de varias series distribuidas por Crunchyroll (Blade Runner Black Out 2022, A centaur’s life, Osomatsu-san, Evil or Live, Black Cover) y un especial dedicado a "Ronja, la Hija del Bandolero", que estarán seguidos por un encuentro con los fans de Masatoshi Chioka y Hiroyuki Sakuraga, director y productor respectivamente de "Dragon Ball Super" y la emisión de esta serie sin censura y con animación corregida. La sección audiovisual del salón llegará a su fin con la proyección de la película "Akira" (1988) de Katsuhiro Otomo y un estreno sorpresa.

Entradas relacionadas:
Gatos. Un Viaje de Vuelta a Casa (27 de septiembre 2017)
En este Rincón del Mundo (1 de julio 2017)
Your Name (14 de octubre 2016)

Entrevista a Daniel Martínez Lara

Daniel Martínez Lara, ganador en 2016 - junto a Rafael Cano - del Goya al Mejor Cortometraje de Animación por "Alike", estuvo invitado a la reciente edición del mercado 3DWire para hablar de Grease Pencil, una herramienta en la que está trabajando desde hace dos años y medio, basada en el software de código abierto Blender, y del nuevo cortometraje que está preparando con el uso de ésta,  que se titulará "Hero".
A continuación podéis leer la entrevista que amablemente nos concedió en Segovia, en la que ahonda en las motivaciones para el uso y el desarrollo de Blender y el papel que ha de jugar "Hero" en todo ello.


A Daniel Martínez Lara siempre le hemos visto en varios frentes, con más proyección desde el éxito reciente de "Alike", pero también a la cabeza de una escuela de animación y ahora con "Hero" y con el desarrollo de la plataforma de software libre Blender. ¿Cómo lo encajas todo?
Todo en realidad, tanto el tema de Blender, como los cortos, como la escuela en que doy clase forma parte de lo mismo, y "Hero" es una mezcla de todo. Las tres cosas que a mí me gusta realmente hacer son la enseñanza, hacer cortos de animación y desarrollar herramientas. Y el corto "Hero" junta las tres cosas, porque no es un fin en sí mismo sino un medio para desarrollar la herramienta. De hecho, forma parte de un proceso que consta de tres fases: la fase de creación de la herramienta, hacer un corto que enseñe las bondades de la herramienta, y la formación mediante tutoriales online acerca del uso de la herramienta.
Blender es la plataforma que mejor me encaja: en primer lugar porque al ser open source me permite un acceso al código para trabajar junto con programadores para ver cómo podemos montar la herramienta. De hecho el Grease Pencil en Blender, que es la herramienta que estamos desarrollando, y que ha de permitir que dentro de un entorno 3D se pueda utilizar una herramienta 2D, empezó siendo una utilidad que era simplemente para hacer anotaciones en pantalla, pero gracias al open source y al acceso de los programadores, se ha podido convertir en una herramienta de storyboard, y mediante los añadidos, en herramienta de arte final. Y como Blender financia proyectos para crear herramientas, nos ha encajado todo perfectamente.
"Hero" se engloba pues dentro de un plan mayor que es desarrollar una herramienta, que ésta funcione y sea útil, y dar una formación para que la gente y los animadores puedan considerarla para sus producciones. Blender encaja perfectamente para todos estos movimientos.

Así pues hay que contemplar el corto más como un medio en el desarrollo de la herramienta.
El corto no es un fin en sí mismo. Sí que es cierto que se va a ver una pieza que empieza y acaba, de unos dos minutos, formato trailer, un poco conclusiva .. que quien la vea va a poder pensar que es chula o que le ha encantado, y eso es un objetivo. Pero hay una visión mayor que es desarrollar una herramienta de futuro, hacer un corto que demuestre sus posibilidades, y dar una formación online gratuita para la gente que esté interesada.

Reconociendo las notables diferencias, existe en la filosofía de fondo de Grease Pencil cierta coincidencia con el concepto de "Klaus", de The SPA Studios, de querer acercar el 2D al entorno 3D ¿no es así?
Sí, salvando las diferencias: en "Klaus" la idea es darle al 2D un enfoque 3D tan potente que te preguntas si es 2D; se trata de ver hasta dónde es posible llevar visualmente el 2D para que digas "qué potente es esto". Y en el caso de "Hero" obedece más a que yo creo que, en el futuro, el 2D se va a hacer en un entorno 3D; es sólo cuestión de tiempo. Otra cosa es quién llegue primero, quién lo haga mejor, qué programa se acabe utilizando.. Pero no hablo sólo del empleo de cámaras, etc, sino también cómo se manejan las líneas, cómo editas y una serie de ventajas: los efectos que puedes hacer en 3D, la combinación de elementos 2D y 3D directamente en el mismo programa sin tener que estar cambiando constantemente de pipeline, creo que realmente marca el futuro de lo que se va a hacer. Sólo es cuestión de si finalmente prevaldrá Blender, Maya, el ToonBoom 2020.. pero creo que es el camino natural.
Claro, al final lo que quiere la gente es ver algo, para ver qué se puede hacer realmente con eso, y de ahí el corto de "Hero".

Una vez esté realizado el corto y desarrollada la herramienta ¿hay que suponer que será de uso constante en todos tus cortos?
Sí por supuesto. Es la herramienta que yo voy a utilizar. Además, siendo Blender, si les gusta cómo está hecha la herramienta la van a incluir en su plataforma. De hecho, esto está financiado por ellos para que todas estas herramientas vayan incluidas gratuitamente en la próxima versión de Blender. Y es la herramienta que yo quiero utilizar; en este sentido es como estar realizando reformas en tu propia casa, básicamente.

De hecho "Alike" también está realizada en Blender. ¿Cuándo empieza tu relación con la plataforma?
Sí, efectivamente. De hecho yo vengo de hace 20 y pico años, en que empecé a utilizar 3D Studio de Ms-Dos, después Max, después Maya y hace diez años que combino Maya, y en los últimos años utilizo Blender para mis producciones, porque al final no es un tema de que sea gratis o no, sino se trata de ver si encaja como herramienta en lo que tú estás haciendo. Porque si no tengo las herramientas como artista que quiero, no voy a utilizar cierto software.

Hay varios proyectos ahora mismo interesantes en Blender que están empujando el desarrollo de la plataforma, como "Agent 327" y otros. ¿Cómo ves el panorama?
Desde hace unos cinco años para acá Blender es como Navidad todos los días, en el sentido de que hay mejoras constantes, y no se sabe cúando parará. Está muy vivo, y la parte buena que tienen es demostrar las posibilidades del software haciendo piezas de animación: tenemos el caso de "Hero", el caso de "Agent 327" o de "Cosmos Laundromat" y de cortos anteriores, que consisten en juntar a un grupo de artistas y programadores para que desarrollen una pieza, para a su vez desarrollar así la herramienta. Porque al final da igual lo que uno diga, si lo que importa es que el espectador dé al play y le guste.

Otro efecto de una herramienta gratuita como Blender es que hacen mucho más accesible la realización de animación a cualquiera que quiera expresarse con ella. Pero a quien quiera expresarse con ella también le hacen falta unas nociones, que es donde entraría vuestra escuela Pepe School, que precisamente está además dando buenos resultados en cuanto a los cortos que surgen de ella, como "Darrel".
La escuela tiene su propia idiosincrasia, porque tiene su parte de escuela y otra de co-working. O sea, abrimos un curso de dos años en el que sólo hay 21 personas que entran en el primer año y al siguiente año, sólo hay 5 alumnos seleccionados de esos 21; y aparte tenemos un área de co-working de ex-alumnos, donde pueden estar desarrollando sus propios proyectos y de donde salen proyectos como "Darrel" o el que este año está en el catálogo de 3DWire, que es de una chica que se llama Carmen, que está con "Roberto". Básicamente se les dan las condiciones y el soporte para que eso ocurra, junto a un feedback sobre el proyecto, pero no está dentro del programa formativo de la escuela, sino como algo aparte. Es la parte más rara de la escuela.
Del mismo modo, "Alike" no es un corto de la escuela. Es un proyecto personal mío y de Rafa Cano en el que utilizamos los recursos de la escuela porque estábamos allí, pero no es un proyecto que podamos ofrecer como un "apúntate y vas a hacer este tipo de corto". Sólo es que la escuela permite que pueda ocurrir eso en su área de co-working.

¿Has notado más presión tras el éxito de "Alike"?
Bueno, no especialmente, porque ya estoy bien como estoy, en el sentido de que muchas veces uno hace un corto como un medio para después llegar a un largo, o para enseñar lo que sabe o como medio para abrirse otras puertas si se gana un Goya, pero en mi caso personal no es una vía que quiera explorar. No tengo esa ambición. Me lo paso mucho mejor con el proyecto "Hero" con todo lo que implica, ya pensando en las tres fases, y lo que vendrá después, que es realmente donde yo he hecho el trabajo para que eso pueda ocurrir, y el hecho de que haya funcionado bien "Alike" está bien, pero no le vamos a sacar provecho en la otra parte: en la de abrir puertas para otro lado. Simplemente porque estoy bien haciendo lo que me gusta.

Así pues, aparte de "Hero" ¿no estás aparte desarrollando otros cortos?
Sí, cortos tengo en mente al menos otros tres más. Porque siempre es lo que me gusta: la narrativa, darle vueltas... Lo que pasa que mientras pueda hacerlo en el entorno en que me gusta hacerlo - financiándomelo yo, con ayuda o sin .. - ya me va bien. Si el objetivo fuera hacer una película me comería unos cuantos sapos para llegar a donde quiero llegar, pero mientras pueda hacerlo a mi manera, por ahí continuaré.

"Hero" cuenta con la peculiaridad de ser el primer proyecto financiado por Blender que se desarrollará sin estar físicamente en el Blender Institute.
Sí, eso está muy bien para no tener que irme allí con mis dos hijos y mi escuela, pero aparte fue una propuesta que partió de ellos. Tom Roosendaal me propuso hacer una open movie desde Barcelona a raíz del trabajo de dos años y medio de antes, pegándonos con la herramienta.

¿El equipo te lo has formado tú?
Sí, porque el tema del 2D no es mi campo madre, yo vengo del 3D. Entonces ha habido que buscar a otras personas, aunque no hace falta mucho: somos dos o tres animadores, una diseñadora y los amigos que quieren colaborar. No hace falta mucha infraestructura; todo es encontrar las personas que sean mejores que tú en los campos que tú no dominas tan bien.
El hombre fuerte es Javier Salvador, que es un antiguo alumno de hace 8 años, que es muy buen diseñador, anima en 2D y 3D, y estaré yo también como animador y Sergi Miranda y la diseñadora María Vela, y en el equipo de programación un programador de Valencia, un argentino, otro de Nueva Zelanda... Entre artistas y programadores, entre 8 y 10 personas.


Agradeciéndole sinceramente a Daniel Martínez Lara la atención hacia nuestro blog, queda nuestro compromiso de seguirle los pasos. Como añadido enlazamos a un par de videos - publicados por Daniel mismo - en los que se hace una introducción al proyecto de "Hero" y se muestra el proceso de storyboarding, y también podéis ver nuevos concepts relativos al diseño de personajes.








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Daniel Martínez Lara dirige "Hero" (15 de septiembre 2017)

viernes, 20 de octubre de 2017

El Diari de la Florentina

"Mamá, papá.. ¿qué es una musaraña?" Será una pregunta que probablemente lancen a sus padres muchos de los niños y niñas que puedan ver la película "El Diari de la Florentina", con el mismo espíritu inocente, curioso y ávido de saber que caracteriza a nuestros pequeños jóvenes y que comparten con la protagonista de la deliciosa hora de entretenimiento que se les ofrece para su exclusiva fruición. Ese pequeñísimo sorícido que se encuentra en casi todo el mundo y que se asemeja a un ratón pero de ninguna manera es un roedor - a diferencia de los degús, que sí lo son - es una perfecta elección para encarnar a cada uno de nuestros niños y niñas, cuyo pequeño tamaño contrasta con la enormidad de las preguntas, dudas y emociones con las que palpitan sus cabezas y corazones, y que Florentina compartirá con ellos a través de su diario. No es habitual que los espectadores en la franja de 3 a 8 años dispongan en el cine de películas hechas expresamente para ellos, y cuando llega a las salas una propuesta tan fresca y tan bellamente ejecutada como la que nos ocupa, no cabe más que recomendársela.


"El Diari de la Florentina" es una recopilación de episodios de la serie polaca "Pamiętniki Florki", una producción divertida y reflexiva basada a su vez en los libros infantiles "Florka. Z pamiętnika Ryjówki", "Florka. Listy do Józefiny" y "Florka. Listy do babci" escritos por Roksana Jędrzejewska-Wróbel, acerca de una pequeña musaraña de seis años que es muy curiosa con el mundo que le rodea, y que fascinada con sus propias emociones y sentimientos, explora las relaciones que le unen a sus familiares, a sus amigos y a su entorno.
Siguiendo pues una estructura episódica, la película empieza cuando la joven musaraña Florentina se muda con su familia a un pueblecito del bosque y recibe de su padre un diario donde decide escribir todas las pequeñas cosas que le ocurren, para poder recordarlas cuando se haga mayor. Florentina, que aún es muy pequeña, observa el mundo que la rodea con el candor y la sorpresa de una niña, descubriendo las cosas al mismo tiempo que aprende su nombre, y escuchando y comprobando las explicaciones de los mayores con la sombra de duda de quien quiere pensar por sí misma. Llena de curiosidad, explora el entorno al tiempo que va descubriendo quien es ella misma, y lo profundos que son, también, los sentimientos: la admiración, la felicidad, la timidez, el miedo, y también la decepción, la culpabilidad, la responsabilidad, los celos y, finalmente, la alegría de ser hermana mayor.
En el "Diari de la Florentina", el mundo se muestra desde la perspectiva de un niña de unos pocos años con toda su ingenuidad, pero al mismo tiempo con deleite y frescura. A la pequeña musaraña la veremos experimentando la timidez a la hora de presentarse o de hacer nuevos amigos, formar sus primeros complejos a causa de su gran nariz, sentir una mezcla de curiosidad y miedo por su propia sombra, o frustrarse por la atención que recibe su nuevo hermano a pesar de que pronto deseará que pueda acompañarla al bosque; mientras aprende que hay que desayunar bien antes de salir a jugar o saber esperar para que ocurran ciertas cosas. Florentina es una observadora urgente y curiosa de la realidad. En ocasiones, no está del todo convencida de las explicaciones de los adultos, por lo que lo comprueba todo por sí misma y, por supuesto, llega a sus propias conclusiones - no necesariamente correctas, pero siempre muy reveladoras -, y si bien sus padres no carecen de defectos y debilidades, no resta que para ella el hogar familiar siga siendo un refugio de seguridad y de paz. La película aspira pues a hacer que los niños se sientan cómodos y acepten la normalidad de su naturaleza inquisitiva y de la sorpresa de descubrir sentimientos y sensaciones nuevas, a la vez que les ayuda a identificar hábitos mientras se lo pasan bien. Como los propios espectadores, Florentina hace preguntas y expresa sus alegrías, sus miedos y frustraciones abiertamente, mientras va estructurando su propia identidad y personalidad.
Visualmente la película se presenta como el dibujo de un niño, en que el trazo de los colores y los pasteles viste cada uno de los planos y fondos realizados mediante 3D, aunque los personajes que por ellos transitan ofrecen una dimensionalidad plana, como si estuvieran animados mediante cut-out, todo lo cual contribuye a emular esas ilustraciones de cuento que los niños y niñas suelen buscar en sus libros de cama. En su huida de la tradicional estética del 3D, muestra también al público que existen múltiples formas de expresión artística.


Lo mejor: la película se dirige a los niños y niñas con su propio lenguaje y punto de vista para mostrarles la normalidad de experimentar por ellos mismos, preguntar y aprender, y en fin, crecer.
En contra: la estructura episódica se aleja del tradicional formato de una película, donde hay un principio y un final, aunque ello no le reste nada de su valor intrínseco.

"El Caso de Hana y Alice" en cines el 26 de octubre

La película "El caso de Hana y Alice", del director Shunji Iwai, se estrenará en cines el próximo 26 de octubre, en versión original subtitulada en español.


"El caso de Hana y Alice" es el primer largometraje de animación de Shunji Iwai, que comenzó su carrera en 1988 haciendo videoclips y programas para canales de televisión por cable, y llegó al mundo del cine años más tarde. Sus películas "Picnic" y "SwallowtailButterfly" tuvieron un éxito inmediato en taquilla, y fueron seguidas en 1998 por "Historia de Abril". En el 2000, se embarcó en un proyecto para hacer una novela por internet llamada "Todo sobre Lily", en que Iwai escribiría la base de la historia y el resto quedaría en manos de los internautas para que la completasen colaborando entre ellos. En el 2003, su cortometraje "Hana y Alice" se divulgó por internet como un tráiler anunciando el largometraje que se estrenaría al año siguiente. A lo largo de los últimos años, ha producido innumerables documentales como "Friends after 3.11", así como otros cortometrajes de animación.
Once años después del estreno de "Hana y Alice", en 2015, Shunji Iwai decidió recuperar a los personajes para contar una nueva historia sobre ellas, aunque con un pequeño e inesperado giro de guión: esta nueva historia no sería una secuela de la primera película, si no que sería una precuela, y además, se rodaría en animación rotoscópica. El director quería imágenes inéditas para la película fusionando las ventajas del cine de imagen real y de animación, con el objetivo de animar «la interpretación sutil y realista de las actrices»; para ello, Iwai rodó él mismo las secuencias que, más tarde, se reproducirían meticulosamente en animación digital y en rotoscopia. Por supuesto, para las voces de las dos protagonistas volvió a contar con las actrices originales Yu Aoi y Anne Suzuki. Aprovechando el éxito que en ese momento estaba teniendo la versión manga de los personajes, creada por el artista Dowman Sayman, Iwai estrenó "El caso de Hana y Alice" en 2015, la cual fue nominada al premio a Mejor Película en el prestigioso Festival de Animación de Annecy, y ganadora del Premio del Público en el Fantasia IFF de Montreal.



La sinopsis es la siguiente: Tras la separación de sus padres, Alice se muda con su madre a un nuevo pueblo donde tendrá que empezar de cero en el colegio. Al serle asignado el asiento de un antiguo alumno llamado "Yuda", del que se dice fue asesinado el año anterior, los demás alumnos empiezan a meterse con ella y ningunearla. Para descubrir el misterio detrás de la desaparición de "Yuda" tendrá que preguntar a la única persona que sabe qué le ocurrió: una chica que vive encerrada en su casa, cuyo nombre es Hana.


La película se estrenará en las salas Cinesa de las siguientes ciudades:
- BARCELONA: Diagonal Mar, Heron City.
- MADRID: Mendez Alvaro.
- GETAFE: Nassica.
- TERRASSA: Parc Vallés.
Ya podéis comprar las entradas en este enlace.

"VIRTUAL HERO", una serie de Rubius

Movistar+, en colaboración con ZeppelinTV, producirán la serie original "Virtual Hero", basada en los cómics de Rubius - el conocido youtuber -, contando para ello con el Estudio Motion Pictures de Barcelona y Estudio Jaruyi de Corea del Sur. Se tratará de una serie de doce episodios de 22 minutos con un estilo propio inspirado en el anime, que llegará en exclusiva a Movistar+ en 2018.


'Virtual Hero' cuenta las aventuras de Rubius a través de los mundos de juego para liberar a los 100 mejores gamers atrapados en un mundo virtual por Trollmask, el vengativo Master of the Game Worlds, que quiere acabar con todos ellos. En ese viaje no estará solo, la guerrera Sakura, la alocada zombie Zombirella, el espectro ancestral Slimmer y la inteligencia artificial G4t serán sus aliados en la lucha por liberar el mundo virtual del maléfico plan de Trollmask.
Así es como lo cuenta el propio ElRubius:



jueves, 19 de octubre de 2017

Kikoriki. Equipo Invencible

Desde Rusia nos llega esta película de 2011 que plantea una historia exclusivamente dirigida al público infantil en torno a los personajes de la serie de TV "Kikoriki", protagonizada por unos animales de forma redondeada cuyas aventuras se desarrollan en la paradisíaca isla que da título a la producción. Planteada en forma de precuela de la serie, la película acerca a los cines a los conocidos personajes y les da volumen mediante una factura en 3D.


Establecidos en la isla de Kikoriki, sus habitantes viven una vida alejada del mundanal ruido de la ciudad hasta que descubren un aparato de televisión. Los protagonistas se obsesionan rápidamente con un programa protagonizado por Lucien, un superhéroe que defiende su ciudad del malvado Caligari, y convencidos de que el mundo está en peligro, deciden ir a la gran ciudad para ayudar a Lucien a salvar a la humanidad. Sin embargo se les ha olvidado un pequeño detalle: no todo lo que vemos en televisión es siempre cierto... Con las mejores intenciones, los Kikorikis se embarcarán en una aventura  urbana llena de sorpresas y de situaciones entre cómicas y peligrosas, ajenos a que el personaje que interpreta a Lucien tiene otras preocupaciones más mundanas.
Dirigida por Denis Chernov, director de la serie original, la película desarrolla una historia ligera pero divertida que abunda en los valores que transmiten los episodios televisivos: el gran poder de la amistad, el apoyo mutuo y el trabajo en equipo, con los cuales es posible vivir en paz y superar la mayoría de obstáculos.
Por primera vez se presenta a los personajes de la serie con volumen y entornos tridimensionales, algunos de los cuales, como la ciudad donde se enfrentan Lucien y Caligari sorprenden por su detallismo e imaginación. En cualquier caso, los acabados están bastante alejados del nivel de las películas más recientes, y si bien consiguen efectos bastante convincentes con el agua, por ejemplo, denotan limitaciones en iluminación y también en texturas; en este sentido, todos los personajes comparten la misma piel, y hubiera sido un detalle que pudieran mostrar un pelaje más aproximado a la especie que representan. Tampoco contribuye a la mejor expresión de las posibilidades de la animación el hecho de que la película esté protagonizada por seres esféricos con brazos cortos y piernas casi inexistentes, aunque dentro de las restricciones que la forma de los personajes implica, el papel que éstos representan está correctamente ejecutado y es suficiente para hacer pasar un buen rato a los niños y niñas, que son en definitiva los receptores de la película.



Lo mejor: mediante una entretenida aventura la película enseña a los más pequeños la importancia de ayudarse y de contar con amigos.
En contra: una trama algo repetitiva en cuanto a las dificultades a las que harán frente los protagonistas.

Ancien y el Mundo Mágico

Kenji Kamiyama, director hasta ahora de thrillers de carácter más bien adulto y con un alto componente tecnológico como "Ghost in the Shell: Stand Alone Complex" o "009 Re: Cyborg", da un paso en la realización de cine más familiar con "Ancien y el Mundo Mágico" (Hirune Hime), que él mismo presentó en la Sección Oficial Competitiva ANIMA'T del SITGES Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. La nueva película sigue siendo fiel al estilo y a los temas que caracterizan la filmografía del realizador japonés y ofrece, bajo el protagonismo de una simpática y arrojada joven, una dinámica aventura que se desarrolla entre dos mundos.


La trama se sitúa a tres días para la inauguración de los Juegos Olímpicos de Tokio de 2020 y gira en torno a Kokone, una joven estudiante que, además de ayudar a su padre viudo con las tareas de la casa, tiene que esforzarse por mantenerse despierta cada día en clase. En sus sueños siempre le parece convertirse en la joven princesa Ancien del reino mágico de Corazonia, una hechicera en un mundo tecnológico en crisis donde a menudo sufren los ataques de un terrible Coloso, frente a los que se oponen los fantásticos Motoroides. Pero muy pronto la línea que separa el sueño de la realidad empezará a difuminarse, sobre todo cuando su padre es secuestrado por unos hombres misteriosos y Kokone tenga que embarcarse en una aventura que le llevará a descubrir el verdadero pasado de su familia.
Fiel aún a su discurso, Kamiyama es capaz de tejer una refrescante aventura de acción juvenil, no exenta de toques de humor y emotividad, que transcurre entre un drama familiar salpicado por conspiraciones empresariales y la recreación de un mundo fantástico defendido por robots gigantes que se encuentra lastrado por el apego a sus viejas tecnologías y el espíritu inquisidor. En el establecimiento del paralelismo y la relación entre ambos mundos se encuentra el elemento determinante de la película y, al mismo tiempo, una excesiva complejidad de la trama para el público más joven al que también se pretende hacer extensible la propuesta del filme. En efecto, concurren tantos elementos en la historia - desaparición de la figura materna, secuestros, intrigas corporativas, hechichería, mechas y hasta la amenaza de un gigantesco coloso - que es fácil que algún espectador se encuentre en ocasiones perdido o que no encuentre todas las respuestas a los enigmas planteados.
En cualquier caso, Kenji Kamiyama no dejará a nadie indiferente con esta historia ciertamente original que consigue en todo momento mantener el interés del espectador y que una vez más le permite hacer una reflexión en torno al desarrollo tecnológico, dando en esta ocasión voz a las generaciones jóvenes como portadoras del progreso y de la innovación frente a los miedos y los reparos de los mayores. El director se sirve acertadamente del simbolismo para reflejar sus ideas, y ello resulta especialmente notable en el mundo de los sueños de Kokone, donde la innovación viene encarnada en una joven hechicera a la que pretenden tener encerrada en una torre y el coloso que acosa a la ciudad no es más que un reflejo de los males de las viejas tecnologías.


En el plano visual "Ancien y el Mundo Mágico" resulta muy atractiva en su representación de dos mundos cargados de los elementos característicos de las películas de Kamiyama y la utilización de potentes simbolismos como el coloso que se alimenta de la contaminación de los coches. No en vano la producción del largometraje ha conseguido reunir a veteranos artistas de la animación como la diseñadora Satoko Morikawa y a Shigeto Koyama, colaborador en el diseño de Baymax para la película "Big Hero 6" de Disney, y que para la ocasión es el creador del también orondo robot Heart, que es una moto sidecar transformable. Asimismo, el jefe de animación Toshiyuki Inoue, que previamente había trabajado como animador de enlace en "Wolf Children" y la directora de animación Kazuchika Kise, quien también trabajó en "Ghost in the shell 2: innocence" y "Your name", junto al director de efectos de animación Atsushi Takeuchi, que había participado en "Surcadores del cielo" y se dio a conocer a nivel internacional con "Star Wars: las guerras clon", han logrado dotar a la película de impresionantes escenas que la sitúan entre las mejores demostraciones del anime que veremos este año.


Lo mejor: dejarse acompañar por el personaje de Kokone, que rápidamente consigue ganarse la complicidad del espectador con su simpatía y arrojo.
En contra: la complejidad de la historia hace difícil que llegue a ser completamente entendida por los espectadores más jóvenes que acudan llamados por su target familiar.

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